La dirección desde la que vemos una fuente de luz tiene un profundo efecto en nuestra percepción de ella y en la apariencia que van a tener los objetos de una escena. Elegir la dirección desde la que viene la luz principal es una de las decisiones más importantes a tomar, ya que tendrá un gran impacto en la apariencia de la escena, y también en las emociones que tu imagen pueda transmitir.

Luz frontal

Ocurre cuando la fuente de luz está directamente detrás del punto de vista del observador. Lo más común es verla en fotografías con flash y a menudo, es bastante poco atractiva si la fuente de luz es dura – hay excepciones y en algunas situaciones una luz frontal suave puede producir imágenes muy atractivas.

La luz frontal sirve muy poco para mostrar la forma o la textura ya que las sombras estan en su mayoría escondidas de la vista. Como resultado hace que las cosas parezcan planas, aunque una luz frontal difuminada puede también ‘aplanar’ algunos objetos por esta misma razón – puede ayudar a disimular arrugas e imperfecciones y por eso es a menudo usada en retratos y fotografías de producto.

La luz frontal dura tiene ese aspecto de paparazzi: estridente y a menudo inatractiva.

La luz frontal suave difumina las formas.

La luz frontal puede hacer que la escena parezca plana ya que no nos vale para revelar forma y textura.

Luz lateral

La luz lateral es muy buena mostrando la forma y la textura y presta a los objetos una cualidad tridimensional. Las sombras son acentuadas y como resultado el contraste puede ser alto. La luz lateral puede usarse para arrojar sombras dramáticas sobre superfícies tales como muros y crear atmósfera. La luz lateral es generalmente atractiva y es a menudo usada para conseguir un gran efecto: es el tipo de iluminación que se encuentra al principio y al final del día y como tal se ve a menudo en películas y fotografías

La desventaja potencial de usar esta iluminación reside en que algunas áreas de la imágen pueden perderse en las sombras, y que puede revelar imperfecciones tales como arrugas. En el retrato fotográfico, por ejemplo, es generalmente usada con los hombres más que con las mujeres porque tiene una apariencia más dura, especialmente si las sombras no tienen un borde suavizado.

La luz lateral puede usarse para conseguir un gran efecto y revelar forma y textura.

La textura de este muro es revelada por la luz de la tarde que la saca a relucir.

Las largas sombras proyectadas a lo largo de esta imagen ayudan a darle un sentido de profundidad y dimensión.

Luz trasera

La luz trasera ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo.

Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el orígen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imágen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, translucencia y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imágen.

La luz trasera puede hacer que hasta el más mundano de los temas parezca atractivo.

Es también un modo efectivo de revelar la translucencia.

Las siluetas son una característica común de las escenas iluminadas desde atrás.

Luz Cenital

La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajo ella: por ejemplo la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total.

A mi entender, la iluminación cenital es raramente utilizada por los artistas, aunque eso no quiere decir que no debería ser usada. Para la iluminación de un día nublado es el set-up más realista, con el cielo entero actuando como una enorme fuente de luz difusa. Es también una iluminación inusual para situaciones más atmosféricas y el simple hecho de que no se vea a menudo puede ser usado para crear un sentiemiento de incomodidad.

La luz suave desde arriba es una característica de situación meteorológica nublada.

Iluminar una figura directamente desde arriba puede dar un aspecto amenazante. Enfatiza la estructura de los huesos y la profundidad de las cuencas de los ojos.

 Luz desde abajo

Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia complétamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas ( piensa en una persona iluminandose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés).

De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas.

La iluminación desde abajo se ve raramente, pero puede ser usada para crear imágenes inusuales.

La iluminación desde abajo crea un aspecto misterioso y poco familiar. Incluso las zonas iluminadas en los ojos se ven extrañas debido a su colocación. Date cuenta de cómo el ángulo de luz también enfatiza la textura de la piel. Compárala a la imágen de la sección anterior: es la misma cara, sólo la posición de la luz se ha movido, pero parecen completamente diferentes la una de la otra.

¿Recuerdas el primer artículo de esta serie sobre La luz?

Inauguramos un especial sobre las técnicas de manipulación de fotografía. En esta serie de artículos mostraremos el flujo de trabajo completo y algunas técnicas de manipulación con ejemplos prácticos.

Hoy comenzaremos hablando de las imágenes de stock.

¿Qué son las imágenes y los bancos de stock?

Las imágenes de stock (también llamadas imágenes de archivo) son imágenes que, siendo bien gratuitas o bien de paga, están al alcance de los usuarios para poder utilizarlas libremente.

Los bancos de imágenes de stock, son una excelente opción para todos los fotógrafos e ilustradores, aficionados y profesionales que quieren hacerse con fotografías de alta calidad, a un precio razonable o de manera gratuita.

Antes de la era del Internet, las agencias de stock distribuían catálogos en los que presentaban el portafolio de los artistas asociados a ellas, y de entre estos archivos los clientes podían escoger las imágenes que más les convenían, sin necesidad de buscar a un fotógrafo particular, lo cual habría encarecido mucho los costos de cualquier proyecto, además de prolongar la obtención del material requerido, dado que con las fotografías de stock, el trabajo ya está hecho! Lo único que deben hacer es adquirirlo y listo.

Algunos ejemplos de webs que se dedican a la venta de microstock

Se habla de dos modelos distintos en cuanto a agencias de fotografía de este tipo: las agencias de macrostock, en las cuales las imágenes se venden por un precio relativamente alto, pero en menor número de ocasiones; y las agencias de microstock, en las que las fotografías son comercializadas por un precio muy bajo, pero que compensan la pequeña retribución con un número mucho más elevado de ventas individuales.

Elegir las imágenes adecuadas para tu manipulación

Antes de empezar a buscar imágenes en primer lugar debes tener una idea básica de lo que quieres conseguir, que tipo de imagen, el estilo de la manipulación que quieres hacer, etc. También se debe establecer cuál será el color (o los colores) dominante en tu trabajo.

Puedes elegir el color que desees, es irrelevante en el proceso de búsqueda. En otras palabras, puedes elegir cualquier imagen que te guste, siempre que no sean en blanco y negro. Aún en el caso de que fueran en blanco y negro, podrías colorearlas, pero tardarías mucho más tiempo.

Por lo tanto, ¿Qué es lo que debes empezar a buscar en primer lugar? ¿el fondo? ¿el/la modelo? En realidad, no importa, pero que sin duda debes comenzar de esa manera. No querrás comenzar a buscar los pequeños detalles sin saber cómo será el conjunto de la escena. Lo primero es montar la escena básica.

Por ejemplo, si encuentras una buena fotografía de una modelo con un vestido medieval bonito, a continuación, empezarás a buscar una imagen de fondo que se ajuste al traje de la modelo, más o menos.

Incluso en el inicio del proceso de manipulación se debe tener en cuenta la luz. En mi caso, la iluminación de la imagen de fondo sirve de guía en la elección del resto de las imágenes. En realidad es bastante difícil encontrar imágenes que encajan perfectamente pero no te preocupes, se pueden crear luces y sombras después. Sólo tienes que elegir las imágenes que coincidan más o menos.

Para las manipulaciones de fantasía, la elección de imágenes no es una tarea muy difícil, pero en general depende de la complejidad que desee para hacer su obra de arte.

Descarga varias imágenes y trata de combinarlas. Sólo porque las imagenes elegidas se vean muy bien, no significa que vayan a verse bien una vez que se combinen unas con otras en Photoshop. Por lo tanto, asegúrate de descargar varias imágenes, abrirlas en Photoshop, hacer recortes en bruto y probar la composición para ver si podrían encajar.

Siempre trataremos de trabajar con imágenes de gran resolución.

¿Dónde buscar las imágenes de archivo?

Hay muchos sitios web que proveen buenas imágenes de archivo. Normalmente utilizo imágenes de sxc.hu y deviantart, pero hay un montón de  buenos sitios. Como probablemente sabrás, algunos bancos de imágenes son más caros, como ShutterStock y algunos son más baratos, como DepositPhotos. En cualquier caso, debes dar crédito a los autores y asegurarte de leer sus condiciones de uso.

Aquí tenéis algunos sitios de donde podéis sacar imágenes de stock:

• http://www.shutterstock.com/
• http://depositphotos.com/
• http://www.sxc.hu/
• http://browse.deviantart.com/resources/stockart/
• http://www.stockvault.net/
• http://www.freepixels.com/

Creación del proyecto

Esta es la forma en la que yo siempre inicio un nuevo proyecto.

Lo primero es crear una nueva carpeta donde guardar todas las imágenes que vaya a descargar. Entonces, comienzo a navegar por las imágenes que considero que pueden verse bien juntas. Siempre descargo una gran cantidad de imágenes en primer lugar.

Después de abrir un archivo que creo que podría ser una buena base, hago combinaciones con las demás imágenes para ver cuáles funcionan correctamente. Llegado a este punto no dudo en deformar las fotografías para que se ajusten correctamente.

Después de ver qué imágenes podrían trabajar juntas, descarto las demás y comienzo a trabajar.

Esto fue sólo una introducción al curso, pero para algunos de ustedes tal vez sea útil. En la segunda parte voy a hablar de cómo mezclar colores e imágenes de archivo usando mapas de gradientes y ajustando el contraste mediante un ejemplo práctico.

Este curso está basado en el original de  Andrei Oprinca.

En este tutorial vamos a aprender una técnica que hará que el maquillaje digital te sea mucho más fácil a partir de ahora. Veremos cómo organizar las capas para que puedas experimentar con diferentes colores de maquillaje y cambiar entre ellos rápidamente.

Trabajar en un retrato frontal nos hará las cosas más fáciles en este tutorial, pero en muchos casos esto no es posible. Lo más importante es conseguir la técnica, una vez dominada seremos capaces de aplicar el maquillaje digital a diversos retratos en diferentes ángulos.

El resultado final

He obtenido la fotografía original de Depositfiles. Si lo deseas, puedes conseguir la imagen aquí: http://depositphotos.com/3404224/stock-photo-Attractive-woman.html.

Paso 1

Abre la imagen en Photoshop. Recuerda siempre que trabajar con una imagen de mayor resolución es siempre mejor. Vamos a ver cómo trabajar de forma no destructiva, ya que no hay ninguna razón para duplicar su foto, a no ser que quieras.

Paso 2

Tienes que tener en cuenta que cada tipo de maquillaje, colores, etc, se ve de forma distinta en función de los distintos tonos de piel. He modificado ligeramente el tono de la piel de la modelo con el balance de blancos para obtener un tono de piel fría y neutral. La piel natural de la modelo estaba bien.

Si deseas hacer cualquier ajuste el tono de piel es mejor hacerlo ahora ya que eso afectará el resultado final de la composición y puede que no obtengas el resultado que quieres en tu maquillaje si haces los ajustes de la piel después de aplicar el maquillaje .

Observa en la imagen que he utilizado capas de ajuste en lugar de de modificar la imagen original. De esa manera siempre puedo volver a ella más tarde y hacer los ajustes que consideremos oportunos.

Paso 3

Ahora puedes comenzar a aplicar el maquillaje. Tengo que admitir que yo no soy un experto cuando se trata de maquillaje, de hecho, debería haber pedido ayuda a alguien con esto. Si sabes maquillar posiblemente harás esto mucho mejor, sólo estoy tratando de enseñarte cómo hacerlo en Photoshop.

Mi consejo es pintar los dos ojos al mismo tiempo, de lo contrario podemos no usar el tono exacto del maquillaje y esto puede causar problemas. Otro buen consejo es hacer que cada ojo en capas separadas, ya que podrías tener que usar diferentes modos de fusión para cada ojo ya que si, por ejemplo, un ojo es más oscuro que el otro, un mismo modo de fusión no te dará el mismo resultado para ambos ojos.

Para empezar, selecciona la herramienta Pincel (B), selecciona el color que desea utilizar y pintar un área más grande de la que necesitas. La razón de hacerlo así es que siempre es más fácil eliminar lo que no es necesario que pintar exactamente la zona necesaria.

Ahora crea una máscara de capa y utilízala para ocultar las zonas no deseadas. Los ajustes de pincel que suelen utilizar cuando se enmascara el maquillaje son:

La dureza alrededor del 50% y la opacidad aproximadamente del 75%. De esa manera podemos “pintar” sobre una misma zona varias veces y tener más control sobre dónde aplicamos la máscara.

Probablemente la pregunta más común es: ”¿Qué modo de fusión debería usar?“. No hay un modo especial que sea perfecto para todos los estilos de maquillaje, depende en gran medida de la iluminación de la piel, el tono de piel y los colores del maquillaje.

Sólo tienes que ir probando y ver cuál funciona mejor en cada caso particular. Una buena técnica para encontrar el mejor modo de mezcla es, después de pintar, probar todos los modos de mezcla y si ninguno de ellos te convence, elegir el que está más cerca de tu idea y luego usar el ajuste de Tono/Saturación y jugar con los tres deslizadores hasta conseguir el resultado deseado.

Paso 4

Ahora debes hacer lo mismo en el otro ojo y duplicar la capa si necesitas un efecto de sombra más fuerte.

Paso 5

Ok, ahora que tenemos esa sombra marrón alrededor de los ojos es el momento de añadir un segundo color. Usé un maquillaje real como guía y vi que de color marrón y amarillo se combinaban muy bien.

Una vez más, utiliza una nueva capa y pinta sin ningún tipo de temor a pasar por encima de los ojos o las capas de maquillaje otra parte. No tengas miedo. Ahora, igual que antes, crea una máscara de capa y empieza a eliminar el color de las zonas que no necesitas. Es mucho más fácil de esta manera. Echa un vistazo a la vista previa a continuación.

Paso 6

Si quieres hacer que los ojos destaquen aún más, puedes utilizar cualquier técnica Dodge & Burn (aclarado y oscurecido selectivo) para oscurecer los bordes y destacar el interior de los ojos, también puedes oscurecer un poco las cejas. Mantén el puntero del ratón sobre la imagen para ver el antes y el después de este efecto.

Recuerda que  utilizar opacidades inferiores al 50% nos dará una ventaja significativa en el control del maquillaje. Maquillaje demasiado opaco no se ven bien.

Basado en el original visto en PSDBox.

¿Es complicado fotografiar insectos volando? Si alguien alguna vez se ha propuesto hacer este tipo de imágenes sabe perfectamente que no es tan sencillo como aparenta.

Cada fotógrafo tiene su propio método para conseguir capturar a los bichos en acción, en esta ocasión un fotógrafo llamado Frans comparte su secreto, mostrando la cámara y el aparatoso sistema que desarrolló para optimizar las tomas.

Los elementos necesarios para este tipo de fotografía son: un objetivo macro y mucha luz. Por lo que este señor ideó un arnés en donde está fija la cámara (con un objetivo preajustado) con dos flashes y dos lásers apuntando a 45º; la idea es que los flashes iluminen correctamente el espacio por donde vuela el insecto, mientras que los lásers sirven como sensores cuando la cámara está en modo automático.

Es importante señalar que en las cámaras digitales (a diferencia de las sólo mecánicas), el retraso al pulsar el disparador y que el obturador ejecute la acción es de unos 50 milisegundos que en tiempo insecto es muchísimo. Esto se debe a que las cámaras digitales tienen que preparar su sensores internos para tomar la foto, cosa que las cámara antiguas no hacen por lo que su retraso no pasa de 10 milisegundos. Por esta razón, este fotógrafo, añadió a su cámara digital un obturador mecánico de hace 50 años, un compur1 1955-1960; el cual no se retrasa tanto en tomar la foto.

Y si quieres ver una galería de fotos tomadas con este sistema, haz click aquí.

Visto en Geek.

Parece que hay muy poca información disponible y de forma detallada sobre lo que para mí es una materia crucial para los artistas de todo tipo: La iluminación en todos los aspectos en los que la encontramos en nuestra vida diaria. He leido incontables libros que tratan sobre arte tradicional y digital y el tema de la luz siempre parece ser tocado muy ligeramente (perdón por la puya). Cualquiera que desee crear la ilusión de realidad debería tener una buena comprensión de cómo se comporta la luz en el mundo físico.

Introducción

Los peores culpables en mi opinión son los libros de 3D, que repíten las mismas viejas cansadas fórmulas de siempre y dejan a los artistas principiantes una visión muy ligera de cómo iluminar sus escenas. El resultado es que la luz está mal entendida y pobremente usada por los artistas digitales en general. Fotógrafos e ilustradores necesitan tener un mejor entendimiento de la luz, ya que la luz es un elemento crucial de cualquier arte. Sin entenderla bien, es muy difícil conseguir el realismo, por no hablar de la atmósfera.

Como nunca he encontrado un artículo detallado sobre la luz en internet, he decidido escribir éste. La mayoría de lo que escribo aquí está basado en mi propia observación, así que puede haber alguna imprecisión extraña. Puede ser que sea tan obvio que no necesite ser explicado, pero me parece que la observación del mundo que nos rodea es necesaria para darse cuenta exactamente de cómo la luz se comporta en diferentes situaciones

1ª Parte: Conocimientos básicos

Durante este artículo voy a utilizar un diagrama de una bola blanca sobre una tarjeta también blanca para demostrar cómo la luz se comporta en diferentes situacines cotidianas

Aquí muestro un mediodía soleado. La fuente de luz principal es la luz del sol, mientras que el cielo azul aporta una segunda fuente de luz con características muy diferentes. Otra luz rebota entre la tarjeta blanca y la bola, y aporta una tercera fuente de luz.

La luz más brillante es la luz que proviene del sol y es una luz blanca que emana de una fuente pequeña, lo que causa que provoque sombras con un filo muy marcado. La segunda fuente, el cielo azul, es una fuente de luz muy amplia, y como resultado las sombras están muy suavizadas (que en cualquier caso estan completamente disimuladas por la luz directa proveniente del sol). Entraré en más detalle sobre las fuentes de luz y el tamaño de las sombras más adelante, pero por el momento, recuerda que cuanto más pequeña es la fuente de luz, más duras son las sombras.

La luz proveniente del cielo azul emite un color muy fuerte que afecta a todo en esta escena. La sombra proyectada por la bola es azul porque está iluminada por la luz del cielo, mientras que la bola la está escudando de la luz blanca del sol. Las partes de la bola que no están en la luz del sol directa también toman un tono azul, porque estan iluminadas por el cielo azul.

Finalmente, la luz que se refleja entre la tarjeta y la bola es también predominantemente azul (incluso cuando la tarjeta y la bola son blancas) ya que se trata de la luz azul del cielo que está siendo reflejada por los objetos blancos. Las superfícies que están más próximas entre sí reciben más de esta luz reflejada que las áreas que estan alejadas entre sí, así pues, la parte inferior de la bola está más iluminada que la parte central porque está más próxima a la tarjeta blanca.

Las áreas más oscuras de la imágen son la base de la proyección de la sombra y el borde entre las areas soleadas y la sombra de la bola: Esta zona se llama el terminador. La base de la sombra proyectada es muy oscura, porque no recibe la luz del sol y también la bola la está tapando de la mayoría de la luz del cielo y la luz rebotada. El otro lado de la sombra proyectada es más clara porque recíbe más luz del cielo y también rebotada de la propia bola.

¿Por qué es el centro la zona más oscura de la bola?

Parcialmente por el efecto de contraste, estando tan cerca del lado brillante de la bola bajo el sol, que lo hace aparecer oscuro, pero también está recibiendo menos cantidad de luz rebotada, reflejada de la tarjeta blanca. A diferncia del resto de la bola, que recibe tanto la luz del sol completamente como la luz reflejada de la tarjeta blanca, su fuente de iluminación principal es el cielo azul. Se trata del area que hay entre la luz principal (el sol) y la luz de relleno (la reflejada por la tarjeta)

¿Por qué es azul la luz del cielo?

La luz visible está hecha de pequeñas partículas llamadas fotones; estas partículas tienen diferente longitud de onda dependiendo de su color: La luz azul se comprende de partículas con una longitud de onda más corta, mientras que la roja está hecha de partículas con la longitud de onda más larga.

La luz blanca del sol está hecha de un contínuo espéctro de colores que, convencionalmente, se dividen en los colores del arcoíris (con longitudes de onda progresivamente más largas: violeta, indigo, azul, verde, amarillo, naranja y rojo). Es la mezcla de estos colores la que produce el blanco.

Sin embargo, lo que le ocurre a la luz cuando viaja por la atmósfera de la Tierra es que las longitudes de onda más corta se desvían. Nuestra atmósfera está hecha de varios gases y los átomos y moléculas de las que esta formada estan suspendidas dentro de ella. Los fotones que viajan a través de la atmósfera físicamente colisionan con estas partículas atómicas. Esta colisión desvía los fotones y los hace rebotar en otra dirección. Las longitudes de onda más cortas son más susceptibles de ser desviadas que las largas, así que los fotones que son desviados en todas direcciones por estas colisiones son predominantemente azules.

En un día despejado la luz azul desviada por la atmósfera terrestre brilla sobre todas las cosas alrededor nuestra.

Las longitud de onda más largas, como el rojo, pueden viajar más lejos a través de la atmósfera sin ser desviada. Es por eso que las puestas de sol son rojas: como la luz viaja a través de una capa de aire más gruesa para alcanzarnos cuando esta más baja en el cielo, un montón de luz azul se pierde durante el scattering, y la luz que queda es predominantemente roja.

La luz del sol brilla roja al atardecer porque las longitudas de onda azules más cortas se han perdido debido al scattering. *Date cuenta sin embargo de que la luz azul se refleja de la parte este del cielo y actua como luz de relleno en las olas en primer plano.

El efecto del rebote de los fotones azuels en todas direcciones es que la atmósfer de hecho brilla con luz azul, un efecto que es claramente visible desde el espacio. Esta luz azul es lo suficientemente fuerte para iluminar areas que no están expuestas directamente a la luz del sol, lo que hace que todavía puedas ver cuando estás bajo una sombra.

Las sombras en esta foto tiene una proyección azul muy fuerte porque están siendo iluminadas por el cielo azul.

Rebotes de luz

Cuando la luz golpea en una superfície, o bien rebota, o bien es absorvida por ella, dependendiendo del color que sea la superfície. Un objeto blanco reflejará todas las longitudes de onda por igual, mientras que un objeto negro las absorverá todas. Cuando la luz golpea una superfície roja las longitudes de onda azules y verdes son absorvidas y la luz roja es reflejada (estoy utilizando los colores primarios en vez del espectro completo aquí, en favor de la simplicidad)

Así, si la luz blanca golpea una superfície roja, los fotones que esta superfície refleja serán rojos. Cuando estos fotones golpean la siguiente superfície que encuentran en su camino estarán logicamente iluminandola con luz roja. Este fenómeno se denomina radiancia y por este motivo, los colores de los objetos adyacentes tendrán un efecto en el resto.

La luz reflejada de esta persiana venciana proyecta el color de la madera en la pared.

El abdomen trasero de esta abeja ha sido fuertemente influenciado por la luz roja, reflejada de la flor.

La radiancia es usualmente un efecto muy sutil, y necesita de una gran cantidad de luz para que se vea. Con una luz suave o disminuida puede no ser visible en absoluto, sin embargo con una luz brillante puede añadir un montón de color a los objetos que afecta. Si la luz se refleja entre objetos del mismo color puede crear puede crear un efecto muy saturado, ya que la luz rebotada refuerza el color existente de la superfici subyacente, haciendo que el color brille vívidamente – Se puede ver este fenómeno a veces en la luz del día.

Como la luz rebota entre estas tiras de madera, el color se realza por el hecho de que la luz del mismo color se refleja de nuevo en sí misma. El resultado es que la luz coloreada y la superfície subyacente se combinan para crear una versión saturada y resplandeciente del color de la madera original.

Valores alto y bajo

El cómo elegimos representar una escena es algo subjetivo a abierto a la interpretación. La mayoría de las situaciones tendrán un balance entre luz y sombra que produciran una media o un grís medio, porque eso es lo que percibimos como normal. Aunque hay algunas situaciones en las que el orden natural de las cosas tiende hacia un extremo de luz o de sombra como por ejemplo la niebla o la niebla en contraposición a una escena nocturna. Alternativamente, un artista puede elegir enfatizar uno de estos extremos para conseguir un impacto visual, o transmitir un sentiemiento específico.

Valor alto

Las imágenes con valor alto tienen una predominancia de blanco o tonos muy suaves y tienden a tener una apariencia ligera y etérea. La iluminación con valores altos es a menudo (pero no siempre) suave, y hay poco detalle, generalmente. En la naturaleza, la iluminación de valor alto se encuentra en la niebla y en la nieve, donde incluso las sombras son suaves debido a la cantidad de luz reflejada que rebota.

La aparente simplicidad de esta fotografía se crea por la paleta tan limitad que utiliza: blanco y algunos grises oscuros y negros

Valor bajo

Las imágenes con valor bajo tienen por su propia naturaleza muy poca luz en ellas. El contraste es normalmente alto y la iluminación dura. La iluminación de valor bajo puede crear una atmósfera muy interesante y a menudo es utilizada con este propósito. La configuración más obvia para la ilmunación de valor bajo es la noche, pero puede encontrarse también en otras situaciones, tales como tormentas o interiores.

La iluminación de valor bajo enfatiza el efécto dramático de esta imágen.

Balance de blancos

La mayoría de las fuentes de luz que encontramos en situaciones cotidianes tienen una proyección de color aunque nuestro cerebro es muy bueno filtrandolas. Tan pronto como hay una vaga mezcla de los tres colores primarios en la luz, nuestro cerebro los interpreta como blanco. Incluso bajo luces con un color muy fuerte tenemos la capacidad de filtrar la información que reciben nuestros ojos y deducir los colores de manera que los percibimos en cantidad relativa, en lugar de una manera absoluta.

La manera más obvia de demostrar esto es usar una cámara digital con el balance puesto a luz diurna: Esta es una posición neutral que reflejara los colores tal y como están ahí. En el ejemplo de abajo he sacado una foto con una ventana como fuente de luz. La luz viene indirectamente de un cielo overcast y es relatívamente neutra.

En la siguiente fotografía he cerrado las persianas y he utilizado una bombilla casera de 60 watt como fuente de luz:

La fuerza del color proyectado en esta imágen puede haberte sorprendido, ya que no tendemos a percibir la iluminación del tungsteno como si fuera amarillo brillante/naranja. Nuestro cerebro convierte los colores para hacerlos más parecidos a la primera imágen, pero en esta ocasión es la cámara la que está ‘pintando’ la verdadera imágen.

Una forma muy fácil de confirmar este hecho es mirar a una ventana desde el exterior: La próxima vez eque estés en el exterior durante el anochecer observa los colores que vienen de las viviendas y verás que los interiores son de un naranja brillante. Cuando no estamos directamente bajo al fuente de luz, somos capaces de ver su verdader color.

Ver el tungsteno desde el exterior ayuda a revelar su verdadero color; desde aquí se ve naranja brillante

Algo muy similar ocurre cuando permanecemos en la sombra, donde la luz es muy azul. Percibimos la luz como si fuera neutral, pero si salimos a donde nos da el sol y miramos a la sombra la proyección azul es mucho más fácil de ver. Hay otro montón de situaciones donde la luz sufre una fuerte proyección de color: La luz del fluorescente es a menudo verde, la luz de la calle, un naranja muy profundo; la luz del sol en el atardecer pasa del amarillo a un rojo fuerte, etc.

Cuando permanecemos dentro de la sombra, percibimos la luz como si fuera neutral, pero saliendo al sol revela ser una profunda sombra azulada.

Ilumación de 3 puntos y porqué apesta

Los libros de texto de 3d a menudo describe la clásica iluminación del set de tres luces y a menudo animan a los principiantes a usarla como un modo efectivo de iluminar sus escenas. Fué originalmente diseñada como un modo de iluminar fotografía y su único benefício radica en que es fácil de aprender y de comprender. Se comprende de una luz principal brillante proviente del lateral, otra menor en el lado opuesto a la principal y una desde atrás del sujeto que se usa para sacar los perfiles y acentuar la forma.

El mayor problema con este set-up es que es artificial y no refleja la realidad. El uso de la luz trasera debería solo ser considerado si se esta buscando una apariencia para un efecto específico porque es muy dramático y reconocible. La luz trasera puede ser muy efectiva pero debería usarse con sentido común en vez de aplicarla ciégamente a cada situación. El tipo de iluminación que el set de 3 puntos crea simplemente no existe en la naturaleza y por eso resulta falsa. El hecho de que se enseñe en tantos libros de texto le da un aire de cliché y por esto se ha convertido en algo cansado y aburrido.

Hace tiempo que carece del favor de fotógrafos y cineastas, de todos modos, así que rara vez la verás en fotos de productos o películas. Si estás buscando iluminar un entorno o un objeto es mucho mejor intentar poner algo de tu creatividad en tu iluminación y estudiar qué ocurre en la naturaleza para deducir tu propia solución

Todo el mundo ha visto esos cutres retratos fotográficos de estudio que recaen en la iluminación de formula: Todas parecen iguales porque el fotógrafo siempre usa la misma luz todo el tiempo. El resultado es una fotografía aburrida y sin vida. Si quieres crear tu propio arte, evitar caer en el cliché y no ser un cutre, entonces evita las formulas de los libros de texto y empieza a pensar por tí mismo.

Continuará…

Nota: Este artículo es una traducción del tutorial originalmente escrito por Richard Harris. Todas las imágenes y el texto mismo tienen copyright. El original en inglés puede encontrarse en www.itchy-animation.co.uk

Os presentamos un sencillo tutorial para crear de una forma rápida adornos de navidad personalizados con vuestras fotos.

Realiza los montajes con Photoshop

Con Photoshop o con cualquier otro programa de edición, prepara un montaje con las fotografías.

El documento debe tener unas dimensiones de 10x15cm. y las tiras deben ser de 15x3cm (por si no te ha quedado claro, habrán tres tiras iguales en cada documento)

Por otro lado prepara algunas frases navideñas o con algún significado especial y prepara otro montaje. En esta ocasión las tiras pueden ser un poco más pequeñas, cada papel fotográfico para 4 frases (aproximadamente, las tiras serán de 2,5x15cm.)

Si quieres, prueba a escribir tu mismo/a las frases, dará un toque mucho más personal al adorno.

Imprime las fotos y las frases en papel fotográfico

Imprime tus fotografías y las frases que hayas elegido en un papel fotográfico de 10x15cm. Córtalas en tiras. Las tiras deben ser de 15cm. de largo.

Montando las piezas

Coloca las fotos con las frases alternando las tiras y sujétalas con un encuadernador. Dos de las tiras de fotografías deben quedar enfrente una de la otra, para que formen la “pelota” correctamente.

Ahora forma la esfera y ciérrala usando cinta adhesiva.

Los toques finales

Ahora dale los toques finales con algunos adornos: lazos, flores, purpurina… lleva la creatividad hasta donde quieras.

Basado en lo visto en Scrappergirl.

1. Ajusta el encuadre

Cuando tomas una fotografí­a quieres mostrar algo, por tanto esto debe destacar por encima de todo lo demás. El objeto o sujeto principal de la fotografí­a debe ocupar una parte importante dentro del encuadre de la misma. El resto de la fotografí­a puede estar enfocado o desenfocado, o una mezcla de ambos, eso ya depende de lo que quieras lograr. Desenfocar el fondo dará más importancia a lo que quieres mostrar, pero hará que el observador se pierda detalles que tal vez quisieras mostrar.

2. Comprueba el fondo

Antes de realizar la fotografIa comprueba el fondo, debes evitar que aparezca en la foto aquello que no quieras que aparezca (parece una tonterí­a pero es importante), así­ como elementos que puedan distraer al observador del elemento principal. Si hace falta, desplazate hacia un lado o hacia otro, alrededor del elemento principal hasta encontrar el mejor fondo.

3. Comprueba el modelo

Si vas a fotografíar a una persona, debes tener cuidado y observar detenidamente: un mechón de pelo rebelde, o sobre la cara, una mancha en la camisa, un reloj que desentona, una arruga en la ropa… todos estos detalles son importantes y hay que tenerlos en cuenta.

4. La importancia de los ojos

Realmente esto solo es importante en retratos. Enfoca a los ojos, unos ojos desenfocados destrozan una fotografía. También tienes que evitar que salgan parpadeando o con los ojos entornados, o desiguales.

5. Comprueba los cortes

Si no quieres o no puedes incluir el elemento principal entero en la fotografía, deberás elegir por donde realizar los cortes. Si estás fotografiando a una persona NUNCA CORTES por las articulaciones, y tampoco cortes solo pequeños fragmentos como unos dedos, un poco del codo… estos cortes son considerados errores.

6. No olvides las composiciones verticales

La mayoría de nuevos fotografos suelen tomar sus fotos en horizontal, olvidandose de las composiciones verticales. Juega con ambas ya que habrá tomas que queden mejor en vertical. Si dudas, haz la misma foto en horizontal y en vertical y luego tendrás el lujo de poder elegir la que más te guste.

7. Cambia los puntos de vista

No hagas fotos siempre desde el mismo punto de vista. Intenta conseguir picados, contrapicados… tirate al suelo o subete encima de una silla para dar al observador fotografias desde ángulos que nunca habí­an visto. La imagen tendrá más impacto simplemente porque el observador nunca habia observado lo fotografiado desde esa perspectiva.

8. La regla de los dos tercios

Es fundamental en fotografí­a, nunca la olvides. Junto a ella, la regla de la mirada y la del horizonte. Son las denominadas reglas de oro de la fotografía.

9. Toma muchas fotografí­as

Ahora con la fotografia digital no gastamos dinero en comprar carretes y revelar las fotos. Toma muchas fotos y luego ya elegirás las que más te gusten.

10. Únete a una comunidad de fotógrafos

Es asombroso cuanto se puede aprender en este tipo de comunidades. Presenta tu trabajo para que otros lo critiquen y critica los trabajos de otros, aunque sean mejores que tu. Esto te ayudará a ver las fotografí­as de otra manera.

11. Aprende de otros

La mayorí­a de los fotógrafos comienzan “copiando” a otros. ¿Cómo ha conseguido ese efecto? ¿Y esas luces? estudia a los fotógrafos que más te gustan para aprender.

12. Aprende por ti mismo

Aunque parece que contradice el punto anterior, no es así­. Aprende de tus errores. Dispara, dispara, dispara. Escucha las críticas de los demás, aunque sean muy duras. Te ayudará a mejorar.

13. Muestra solo tus mejores trabajos

Si tienes una galería donde mostrar tu trabajo, no subas todas las fotografías, solo las mejores. El resto, guardalas para ti, borralas o subelas a comunidades donde puedan asesorarte sobre qué hacer con ellas, como mejorarlas, etc.

14. Ten en cuenta otras reglas, y rómpelas

La regla de los dos tercios mencionada en el punto 8 no es la única regla en fotografi­a, aquí hemos hablado en otroas ocasiones de más reglas de oro a tener en cuenta. Una vez que las conozcas y hayas aprendido a usarlas, rómpelas si es preciso. Se creativo y muestra lo que quieres mostrar, aunque incumpla las reglas.

15. Diviértete

Es lo más importante.

Aparte de la cámara, el arsenal de un fotógrafo incluye una variedad de equipos utilizados para realizar las fotografías o, simplemente, para facilitar las cosas al establecer una sesión de fotos. Muchos accesorios de fotos son muy caros o difíciles de conseguir, pero la buena noticia es que puedes hacer uso de los materiales que tienes en casa y que ofrecen una genial alternativa.

Aquí tienes algunas cosas cotidianas que puedes utilizar

Parasol de coche

Estos parasoles son útiles para bloquear el sol en tu coche y evitar así quemarte las manos al agarrar el volante cuando lo dejas aparcado al sol en pleno Agosto (hemisferio norte). Pero además son muy eficaces para proporcionar iluminación adicional a la zonas de sombra en tu composición.

Hoja de papel blanco

Funciona como un telón de fondo perfecto para fotografías de productos pequeños. En el ejemplo que puedes ver a continuación, dos hojas de papel normal se utiliza como fondo para una foto de un objetivo. Ten en cuenta que estas hojas blancas también actúan como reflectores que ayudan a disminuir las sombras duras.

Cortinas

Si prefieres un fondo negro, unas cortinas negras pueden ser perfectas incluso para objetos grandes. El terciopelo es un tejido ideal, ya que no reflejan la luz. Y, como no, también te sirve este consejo con otros materiales y colores.

Cama de sábanas blancas

Por otro lado, si necesitas un fondo blanco que sea más grande que una hoja de papel, una sábana blanca puede hacer el truco. Colócala sobre una silla, o un marco provisional, o pégala en la pared para conseguir un fondo neutral y sin distracciones.

Caja de cartón

Si tienes una caja de cartón vacía, se puede convertir en una tienda de luz (softbox)útil sin tener que gastar dinero. Para hacerte un softbox tu msimo, también necesitarás unas hojas de papel, cinta adhesiva y tijeras. Cortar una ventana cuadrada o rectangular, en ambos lados y la parte superior de la caja de cartón, tápalas con las hojas de papel y sujétalas con la cinta adhesiva. Por último, pon una hoja de papel en el fondo de la caja y haz que forme una curva en su base. Sería algo como esto:

Pila de libros

Si no tienes un trípode, un montón de libros apilados pueden ser un buen soporte. Solamente debes llevar cuidado con no hacer la columna demasiado alta, no vaya a ser que se desestabilice y se estrelle tu cámara. En ese caso, te hubiera salido más barato comprarte un trípode, jeje.

Bote de Pringles vacío

Después de terminar con una lata de Pringles, la puedes utilizar como un reflector que se mantendrá de pie por si solo. Para cortarla, hazlo de esta manera:

Papel de cocina

Esta es otra opción efectiva si quieres un fondo blanco. Además, puedes sacar ventaja de sus distintas texturas o sus elementos decorativos:

Plastilina (o arcilla)

Es fantástica para sujetar objetos pequeños, tales como joyas. Simplemente coloca una pequeña bola detrás del objeto para que se quede en su lugar y apriétalo contra la bola hasta conseguir el ángulo deseado.

Este ejemplo que ves a continuación se compone de muchos artículos de uso cotidiano, desde sillas para apoyar los elementos hasta una jarra de plástico que hace de soporte a la copa de vino, con una toalla negra sujeta a la estantería para conseguir un fondo oscuro.

Basado en lo publicado en Photopoly.

La fotografía en días de niebla no es demasiado común; y sin embargo pueden hacerse grandes tomas con este fenómeno natural. Obviamente los amantes de la fotografía apreciamos mucho la buena iluminación, y por ello cuando trabajamos en exteriores tendemos a buscar aquella luz que resalte los colores y las texturas. Sin embargo, no debemos desaprovechar las oportunidades únicas que el mal tiempo también nos brinda. Si aún no has tomado fotografías en días con niebla, encontrarás aquí algunas nociones que te permitirán comenzar, en vista de que las condiciones en estos casos difieren mucho de los días a pleno sol.

Lo reflejos que se cuelan a través de la niebla pueden corromper la medición de la luz. En ese caso obtendrás imágenes subexpuestas. Puedes sortear este obstáculo dando un valor de +1 o +2 al compensador de exposición. Experimenta hasta obtener el valor apropiado.

Otra forma de hacerlo es usar la exposición manual, pero debes tener presente que las exposiciones prolongadas pueden dar imágenes movidas, ya que la niebla tiende a desplazarse. Obviamente puedes usar esto a tu favor si deseas crear una atmósfera misteriosa. En cambio, velocidades de obturación más rápidas te darán imágenes más claras y realistas.

Fotografiar niebla puede reducir el contraste y la saturación del color, resultando en imágenes “lavadas”. Esto será útil si deseas crear una escena que transmita sentimientos de aislamiento o tristeza. Sin embargo, si deseas agregar contraste a la imagen puedes tratar de capturar sujetos a cortas distancias y también una fuente de luz clara.

La niebla destaca los rayos de luz cuando ésta pasa a través. Puede ser una muy buena forma de darle a la toma un efecto artístico extra. Para enfatizar estos rayos que ingresan a la cámara deberás evitar hacer la captura directamente enfrente de la fuente de luz. Más bien trata de capturarlos dejando ligeramente fuera de cuadro a la fuente.

Puedes enfatizar la forma de un sujeto si utilizas la niebla como fondo. Al manejar la exposición de acuerdo al fondo reducirás tu sujeto a una simple silueta, si es eso lo que deseas.

Fotografiar con niebla puede ser una muy buena forma de experimentar con técnicas inusuales. Ten en cuenta estas opciones y aprovecha la oportunidad cuando se presente.

Basado en el original de Photopoly, visto en Fotografiad.

¿Quieres saber cómo?

Las herramientas

Para este trabajo de bricolaje necesitamos algunas herramientas, todas ellas básicas en trabajos de electrónica electrónica: Un tester, un extractor de estaño, destornilladores, unas pinzas, estaño y un soldador.

Conoce el Pinout del conector

¿Qué es el Pinout? se puede traducir como la asingación del patillaje del conector de 3.5mm del manos libres estropeado. Seguro que con este dibujo lo entenderéis a la primera.

Desmontando el ratón

Posiblemente ya lo sepas, desmontar un ratón es sencillo, basta con desatornillar el tornillo (normalmente es uno) que tiene en la base.

El ratón desarmado queda tal que así:

Manos a la obra

Ahora es cuando realmente entramos en materia. Lo primero es desoldar el cable USB del ratón, ya que vamos a sustituirlo por el cable del manos libres. Es importante que lo hagas bien, por lo que te recomiendo que si no tienes muchas nociones de soldaduras, busques algunos de los muchos tutoriales y videotutoriales que hay en internet o pidas ayuda a algún amigo.

y esto que veis a continuación no es, ni más ni menos, que el “raton” propiamente dicho, sin su carcasa, su rueda, ni su cable.

Aquí están los pulsadores de los botones. Para el disparador, vamos a elegir Click Derecho para enfocar (AF) y el Click Izquierdo para disparar (Shutter). Si por algún motivo quieres que funcione al revés, tenlo en cuenta.

Llegados a este punto, debemos asegurarnos de cortar cualquier vínculo existente entre los pulsadores del ratón y sus demás componentes. Los terminales COMUN o MASA o GROUND, los dejamos intactos porque nos conviene.

¿Cómo se cortan estos vínculos? rasgando las líneas de cobre como se aprecia en la siguiente imagen:

Para estar seguros de cuál terminal es cuál, los medimos con el tester en la escala de Continuidad. Así, y siguiendo el dibujo que mostramos al principio, identificamos cada cable con cada una de las funciones (enfocar, disparar, y el cable de masa)

En el manos libres tenemos solo 4 terminales. Dos de ellos serán soldados juntos, esta es la conexión ground, o tierra, (el terminal SLEEVE del conector de 3.5mm). Ahora, los sobrantes, el TIP y RING deben ser conectados a los demás terminales de los pulsadores, que en nuestro caso quisimos que fuera el TIP conectado al click izquierdo del ratón, y el RING al derecho. En esta gráfica te muestro el diagrama más o menos como lo hacemos en un esquemático de electrónica:

Recuerda algo, no todos los ratones son iguales, pero TODOS tienen los pulsadores para hacer click izquierdo y derecho, que es realmente lo que nos interesa de ellos. Esto también se puede hacer los pulsadores que viene en algunos manos libres, y tienen la ventaja de que es mucho más pequeño que un ratón.

Soldamos ahora los terminales a los pulsadores del ratón, teniendo en cuenta las mediciones que hicimos, que nos dió como resultado, recordando: El TIP es Shutter, el Ring es AF, y el Sleeve es la Masa o Ground.

Una vez soldados terminales, es hora de volver a montarlo todo y dejarlo como estaba. Bueno, casi.

… Y esta es la manera en que queda nuestro ratón fusionado con un manos libres de móvil para ayudarnos a disparar sin tocar la cámara.

Tutorial creado por Kikito Tejada