La dirección desde la que vemos una fuente de luz tiene un profundo efecto en nuestra percepción de ella y en la apariencia que van a tener los objetos de una escena. Elegir la dirección desde la que viene la luz principal es una de las decisiones más importantes a tomar, ya que tendrá un gran impacto en la apariencia de la escena, y también en las emociones que tu imagen pueda transmitir.

Luz frontal

Ocurre cuando la fuente de luz está directamente detrás del punto de vista del observador. Lo más común es verla en fotografías con flash y a menudo, es bastante poco atractiva si la fuente de luz es dura – hay excepciones y en algunas situaciones una luz frontal suave puede producir imágenes muy atractivas.

La luz frontal sirve muy poco para mostrar la forma o la textura ya que las sombras estan en su mayoría escondidas de la vista. Como resultado hace que las cosas parezcan planas, aunque una luz frontal difuminada puede también ‘aplanar’ algunos objetos por esta misma razón – puede ayudar a disimular arrugas e imperfecciones y por eso es a menudo usada en retratos y fotografías de producto.

La luz frontal dura tiene ese aspecto de paparazzi: estridente y a menudo inatractiva.

La luz frontal suave difumina las formas.

La luz frontal puede hacer que la escena parezca plana ya que no nos vale para revelar forma y textura.

Luz lateral

La luz lateral es muy buena mostrando la forma y la textura y presta a los objetos una cualidad tridimensional. Las sombras son acentuadas y como resultado el contraste puede ser alto. La luz lateral puede usarse para arrojar sombras dramáticas sobre superfícies tales como muros y crear atmósfera. La luz lateral es generalmente atractiva y es a menudo usada para conseguir un gran efecto: es el tipo de iluminación que se encuentra al principio y al final del día y como tal se ve a menudo en películas y fotografías

La desventaja potencial de usar esta iluminación reside en que algunas áreas de la imágen pueden perderse en las sombras, y que puede revelar imperfecciones tales como arrugas. En el retrato fotográfico, por ejemplo, es generalmente usada con los hombres más que con las mujeres porque tiene una apariencia más dura, especialmente si las sombras no tienen un borde suavizado.

La luz lateral puede usarse para conseguir un gran efecto y revelar forma y textura.

La textura de este muro es revelada por la luz de la tarde que la saca a relucir.

Las largas sombras proyectadas a lo largo de esta imagen ayudan a darle un sentido de profundidad y dimensión.

Luz trasera

La luz trasera ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo.

Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el orígen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imágen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, translucencia y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imágen.

La luz trasera puede hacer que hasta el más mundano de los temas parezca atractivo.

Es también un modo efectivo de revelar la translucencia.

Las siluetas son una característica común de las escenas iluminadas desde atrás.

Luz Cenital

La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajo ella: por ejemplo la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total.

A mi entender, la iluminación cenital es raramente utilizada por los artistas, aunque eso no quiere decir que no debería ser usada. Para la iluminación de un día nublado es el set-up más realista, con el cielo entero actuando como una enorme fuente de luz difusa. Es también una iluminación inusual para situaciones más atmosféricas y el simple hecho de que no se vea a menudo puede ser usado para crear un sentiemiento de incomodidad.

La luz suave desde arriba es una característica de situación meteorológica nublada.

Iluminar una figura directamente desde arriba puede dar un aspecto amenazante. Enfatiza la estructura de los huesos y la profundidad de las cuencas de los ojos.

 Luz desde abajo

Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia complétamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas ( piensa en una persona iluminandose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés).

De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas.

La iluminación desde abajo se ve raramente, pero puede ser usada para crear imágenes inusuales.

La iluminación desde abajo crea un aspecto misterioso y poco familiar. Incluso las zonas iluminadas en los ojos se ven extrañas debido a su colocación. Date cuenta de cómo el ángulo de luz también enfatiza la textura de la piel. Compárala a la imágen de la sección anterior: es la misma cara, sólo la posición de la luz se ha movido, pero parecen completamente diferentes la una de la otra.

¿Recuerdas el primer artículo de esta serie sobre La luz?

Al tomar en RAW, la cámara almacena la totalidad de la información suministrada por el sensor de imagen (de ahí su nombre, formato en “bruto” o en “crudo”), lo cual nos permite disponer de una imagen sin ninguna pérdida de información (al no estar comprimida) y que podemos procesar en nuestro ordenador como si de la cámara se tratara, pudiendo aplicar nosotros mismos los ajustes de temperatura de color, enfoque, exposición, etc. que aplicaría la cámara pero con la potencia y precisión de nuestro cuarto oscuro digital.

Vamos a ver los pros y contras de un formato y otro:

En contra del formato RAW poco podemos decir. Cómo únicos inconvenientes tenemos que señalar el peso de los archivos (una imagen de 8 mp en RAW puede pesar unos 7 mb, frente a 1 mb en JPEG en Calidad 10). Esto es debido principalmente a que el formato RAW almacena el color en canales de 12 bits (4.096 colores por canal), mientras que el JPEG almacena 8 (256 colores por canal). Y, como segundo inconveniente, la necesidad de convertir el archivo RAW en otro formato de imagen antes de poder ser visualizado (para lo cual necesitamos un software que sea capaz de ello). Esto quiere decir que todas las imágenes tendrán que pasar por Photoshop antes de ser definitivas (no os preocupeis, se pueden crear flujos de trabajo automatizados para tratar bloques enteros de fotografías).

Las ventajas de emplear el formato RAW son numerosas. Vamos a verlas una a una.

No hay pérdida de información:

La fotografía en RAW contiene toda la información que es capaz de captar el sensor. Esto nos permite realizar modificaciones destructivas en la imagen (esto es, que impliquen pérdida permanente de información) con un margen mucho mayor que un formato con compresión, ya que el proceso de compresión se ha encargado ya de destruir la información menos relevante de la imagen, con lo cual cualquier modificación posterior degradará la calidad de la misma.

Hay que tener en cuenta que la conversión de la imagen RAW en un formato de color RGB destuirá 4 bits de información por canal.

La gestión de color se realiza en el ordenador:

Tanto el balance de blancos como el equilibrio de color se controlan desde el software de edición de la imagen RAW (generalmente en el propio Photoshop), con las ventajas que implica poder emplear todas sus herramientas de medición y ajuste.

La imagen RAW no está enfocada por la cámara:

Los algoritmos de enfoque que emplean las cámaras pueden ser muy agresivos (especialmente en las de gama baja, en las que se pretende que la imagen sea definitiva sin necesidad de ningún procesamiento), con el peligro que conlleva de aparición de artefactos y otros defectos derivados del enfoque excesivo. En formato RAW la cámara no aplica ningún tipo de enfoque, por lo que podremos realizar nosotros mismos enfoques potentes y precisos con Photoshop.

Tenemos libertad para elegir el formato de la fotogtafía:

Tanto el espacio de color como el formato de archivo se pueden elegir a la hora de convertir la imagen RAW, por lo que tenemos un auténtico “negativo digital” (como también se conoce el formato RAW) del que podemos extraer las fotos en el formato que necesitemos en cada ocasión. También tenemos la opción de ampliar sustancialmente el tamaño de la imagen final, ya que contamos con la ventaja de tener al nuestra disposición toda la amplitud de color que el sensor es capaz de captar, por lo que podemos permitirnos ampliaciones que serían impensables con una captura tomada desde el primer momento en JPEG.

Se puede controlar la exposición durante la edición:

Podemos aplicar ajustes a la exposición desde el software de edición del archivo RAW como si de la cámara se tratase, pero son total precisión y mucho más margen para aumentarla o disminuirla. Esto nos permite no sólo corregir una exposición defectuosa, sino también obtener dos o más copias de la misma imagen con diferentes grados de exposición en cada una de sus zonas (por ejemplo, de una foto de un paisaje con cielo poemos obtener dos imágenes, una con el cielo correctamente expuesto y otra con el suelo correctamente expuesto) para luego fusionarlas y obtener el máximo grado de detalle en toda la fotografía.

Artículo ofiical: Flashed.es

Pese a los controles de calidad por los que presuponemos que pasan las cámaras y objetivos réflex de gama media o alta, nada nos garantiza que nuestro equipo esté perfectamente calibrado y no padezca, en mayor o menor medida, un problema de backfocus (el plano que aparece enfocado en nuestras fotografías está más cerca de nosotros que el punto que seleccionamos con el AF) o frontfocus (el plano enfocado está más lejos de lo que debería). Hasta no hace mucho la única solución pasaba por despedirnos de nuestro equipo durante unas semanas y enviarlo al servicio técnico rezando para que los chicos de la mensajería no hiciesen de las suyas. Ahora sin embargo, cada vez son más los modelos que cuentan con mecanismos para realizar un ajuste fino del sistema de enfoque automático. Este es el caso de las Canon EOS 50D, 5D Mark II, 1D Mark III y 1Ds Mark III, las Nikon D3, D3x, D300 y D700, la Sony A900 o la Pentax K20, pero incluso aunque vuestra cámara no cuente con esta opción, el método que describiremos a continuación, al menos, os servirá para descartar o confirmar vuestras sospechas de un posible backfocus/frontfocus.

Resultado (aproximado) de la calibración mediante el método del patrón de moiré. Foto: Miguel Michán

Los microajustes desplazan literalmenteel plano focal de la cámara hacia adelante o hacia atrás para compensar estos defectos y podemos aplicarlos de forma general (cuando el desbarajuste se encuentra esencialmente en la propia cámara) o específica para cada objetivo que tengamos. La mayoría de cámaras con microajustes o ajustes finos del enfoque pueden distinguir entre los diferentes modelos de objetivo e incluso entre la combinación de una determinada óptica con un duplicador específico(aunque no sean de la misma marca de la cámara salvo excepciones muy concretas), así que armaos de paciencia y dedicad una tarde a poner a punto el sistema de enfoque de vuestra cámara con todas las posibles combinaciones del equipo que tengáis. Eso sí, la cámara no puede diferenciar entre dos unidades de un mismo objetivo así que si cambiáis alguna óptica por otra igual, recordad que debéis de repetir el proceso o, si no tenéis tiempo, deshacer cualquier ajuste previo que hubieseis registrado para ese modelo.

Método del patrón de moiré

Es el sistema más rápido y no requiere que saquéis ni una sola foto pero solo es válido en cámaras con Live View. Afortunadamente todas las que he mencionado anteriormente entran dentro de este grupo.

1. Descarga esta imagen y visualízala al 100% de tamaño en tu monitor (preferiblemente un LCD calibrado a una temperatura de color entre 5000 y 6500º K).

2. Coloca la cámara en un trípode frente a la pantalla.

3. Selecciona la apertura más grande del objetivo (el número f más pequeño) utilizando por ejemplo el modo Av para reducir al mínimo la profundidad de campo. Si se trata de un objetivo zoom, escoge su mayor longitud focal (o en su defecto, la que utilices más a menudo), y si tiene estabilizador de imagen, desactívalo.

4. Accede al menú de microajustes para que sea la primera pantalla que te aparezca cuando vuelvas a pulsar sobre el botón Menú. En las cámaras Canon esta opción se encuentra entre las funciones personalizadas, concretamente en la C.Fn III-7 (50D/1D/1Ds), C.Fn III-8 (5DMk2).

5. Ajusta el modo de enfoque automático a One Shot, escoge manualmente el punto central, y presiona hasta la mitad el disparador para enfocar la imagen de la pantalla.

6. Sin tocar nada, cambia al modo Live View y con un poco de suerte verás un patrón de interferencia similar al de la imagen que encabeza estas líneas. El patrón se forma por la interacción entre los píxeles del monitor y los del sensor (y no, no funciona sacando impresa la imagen) y aunque esto os suene a chino tan solo necesitáis saber que la idea es conseguir que aparezca el máximo grado de distorsión. Si solo aparece por un lado o no es completamente simétrico es que no tenemos la cámara perfectamente alineada con la pantalla.

7. Regresa al menú de microajustes y ve probando valores hasta dar con el que genere el mayor patrón (podéis probar con valores altos primero, +-20 o +-10, y luego ir afinando punto a punto). Una forma de arrojar un poco de luz sobre este proceso es girar lentamente el anillo de enfoque del objetivo mientras aún estamos en el modo Live View para ver hacia dónde y en qué medida tenemos que corregir el enfoque para que maximizar el patrón. Cuando el ajuste sea óptimo no existirá diferencia entre el patrón conseguido con el sistema de enfoque automático y el enfoque manual.

Visto en parasaber.