¿Te has fijado alguna vez en que casi todos los relojes que aparecen en los anuncios marcan las 10:10 o las 10:08? Si nunca lo has hecho, puedes comprobarlo por ti mismo en Google Images.

¿A qué se deben estas horas tan parecidas? Pues en definitiva a diversos efectos psicológicos y estéticos muy estudiados:

- Las manillas forman un “tick” o “check”, que significa “aceptable” u “ok”. También puede identificarse la posición de las manillas como una sonrisa.

- La posición de las agujas no tapa ni el logo del fabricante ni el calendario, ubicado normalmente a las 9 (cuando está a la izquierda) o a las 3 (cuando se sitúa a la derecha).

- La gente se suele levantar a las 10 de la mañana cuando no tiene que ir a trabajar por que es fin de semana o festivo. En el caso del reloj Casio de la derecha de la imagen podemos ver que el día está fijado como “SUN” (domingo) y que el calendario marca el 30 de junio, para muchos, el comienzo de las vacaciones. Este mensaje subliminal crea una sensación agradable en el posible comprador.

- Si dibujamos un rectángulo dentro de la esfera con el límite marcado por el minutero, éste sería aproximadamente un rectángulo áureo. Se ha demostrado que todo aquello que tenga proporciones aureas es agradable a la vista.

- Si hay segundero, éste suele señalar los 25 o 35 segundos. Si marcara los 30 segundos dividiría la circunferencia en tres partes iguales, dando una sensación rígida y puramente matemática. Así consigue romperla.

- Las manillas están casi simétricamente equilibradas en la cara del dial. El minutero forma un ángulo de 48º a la derecha vertical mientras que la manilla de las horas está a 56º de la izquierda vertical.

- A las 10:08 el día aún es joven. Tenemos prácticamente casi todo el día por delante para realizar cosas.

Existe una tradicional regla publicitaria no escrita, según la cual todos los relojes deben señalar las 10:10 cuando son fotografiados para figurar en un anuncio. Pero no es tal hora fruto del capricho, sino de un minucioso análisis estético de la imagen y de su impacto psicológico.

Para empezar, no resultan estéticas las horas en las que se superponen las agujas, pues da la impresión de que el reloj tan sólo tiene una. Por ello se eliminan las 12:00, las 13:05, las 14:10, las 15:15 y las demás en que se cumpla esa regla.

Por el mismo motivo se rechazan aquellas en las que las agujas estén muy próximas, pues ofrece una sensación de amontonamiento sin sentido al quedar libre el resto de la esfera. Parece que unos diez minutos (60 grados de arco) podría considerarse una distancia de separación mínima.

Tampoco son admisibles las horas en las que las agujas se oponen, pues dan la impresión de ser una sola manecilla que atraviesa la esfera por su centro, cual flecha de cupido atravesando un corazón. Por ello se eliminan las 12:30, las 18:00, las 08:05, las 17:55 y las demás en que se cumpla esa regla. Por la misma razón se rechazan, como en el caso anterior, las horas que estén muy próximas a ese ángulo recto de 180 grados de arco. Y también en este caso los diez minutos parecen corresponderse a una distancia de separación mínima.

Las 10:10, hora conocida como happy hour por aquello de la sonrisa, es la elegida por cuestiones fotogénicas. Y la costumbre se ha seguido para los modelos analógico a sin importar el modelo, la procedencia o el precio. Aunque algunas marcas intentan dar un toque de originalidad o rebeldía cambiando la hora, pero solo se atreven a cambiarla un poquito como en el caso del Omega que señala las 10:08, o el Pulsar que señala las 10:09. Y aunque la hora no tenga esta justificación en los relojes digitales, se sigue la costumbre en algunos de sus anuncios.

Esta vez es una colección de 28 ejercicios que ayudarán a ldisos nuevos fotógrafos y a otros no tan nuevos pero que desconocen su potencial como fotógrafos. Si no te consideras un gran fotógrafo profesiona y quieres gastarte una gran cantidad de dinero en un objetivo de gama alta, te invito a que primero practiques estos ejercicios para sacarle el mayor potencial a tu equipo actual. La mayoría de veces te sorprenderá.

1. Experimenta con tus objetivos. Descubre lo que son capaces de hacer. Tus objetivos pueden sorprenderte, muchas veces son mejores de lo que nosotros como fotógrafos podemos sacar de ellos.

2. Toma fotografias con distintos niveles de zoom, de f y de velocidad.

3. Intenta tomar la misma fotografí­a usando diferentes ISOs. Descubre como la f y la velocidad de disparo se ven afectadas por los distintos valores ISO.

4. Descubre las relaciones entre las variables comentadas en los puntos 2 y 3. Aprende como una misma toma puede ser muy distinta con unas variables u otras.

5. Usa los distintos tipos de programa que te ofrece tu cámara.

6. Subexpón o sobrexpón intencionadamente algunas fotografí­as para crear distintas sensaciones.

7. Experimenta con el desenfoque de manera creativa. Si, las lentes no solo enfocan, también desenfocan.

8. Pon tus lentes con el mayor zoom posible y dejalo todo el día así­. Comprueba tu pulso con el zoom al máximo y aprende a sostener la cámara.

9. Fotografía un dí­a entero con los objetivos con el enfoque manual. Aprende como funcionan las reglas de enfoque sin el automático.

10. Haz algunas fotografias a velocidades lentas (con la cámara en mano y con trí­pode). Descubre hasta que punto puedes reducir la velocidad sin perder definición. Crea sensaciones de movimiento en una imagen hasta conseguir una fotografía que realmente te guste. Fotografía un riachuelo o una cascada y transforma su agua en algo parecido a una niebla espesa.

11. Haz alguna fotografía con un disparo rápido. Para una acción en el aire.

12. Haz fotos en modo “bulb”. El rastro de las estrellas, los destellos de los coches, imágenes fantasmas, fuegos artificiales… todas son grandes oportunidades para lograr una fotografía que te guste enseñar a los demás.

13. Fotografí­a un rayo.

14. Haz una fotografía de la luna. No un primer plano, sino un paisaje que incluya la luna.

15. Intenta hacer barridos. Vehí­culos rápidos o atletas en un evento deportivo son grandes candidatos para la práctica de esta técnica.

16. Toma fotografí­as de gotas de agua hasta que consigas una que quieras imprimir.

17. Haz retratos a tus amigos.

18. Haz fotografí­as casuales a tus amigos.

19. Pregunta a 10 extraños si puedes realizarles una fotografí­a.

20. Toma algunos auto-retratos. Encuentra alguno que te guste para compartir con los demás.

21. Intenta tomar alguna fotografí­a desde cerca. No tienen por qué ser auténticos macros, pero puede sorprenderte lo que tus objetivos pueden lograr.

22. Ve al centro de tu ciudad de noche y toma algunas fotografí­as sin flash. Aprende a usar la luz disponible.

23. Agradece que tu cámara tenga flash integrado y aprende a usarlo. Muchas veces te ayudara como flash principal o como flash de relleno para suavizar las sombras.

24. Haz fotografias a medio día. Descubre como las sombras pueden crear distintos estados de ánimo.

25. Sonrie con alguna de tus fotografias, o incluso riete.

26. Haz alguna pausa y reflexiona con tus fotografias.

27. Practica con tu programa de edición de imágenes. Es como tu cuarto oscuro, tienes que aprender a sacar lo máximo de él.

28. Imprime esta lista de ideas y subraya (marca, destaca como prefieras) aquellas que aun no has realizado. Hazlas.

Esta es una lista de consejos basada en una lista original de John Phares.

Uno de los tipos más comunes de fotografías es la ”foto en grupo”, ocurre en todas partes, en las bodas, las fiestas, los partidos, la escuela, etc.

Deben realizarse miles de fotos grupales cada día en todo el mundo. Sin embargo, por desgracia, muchas de estas fotos no son buenas y podrían mejorarse siguiendo una serie de pistas.

En este artículo os daremos 12 consejos para tomar buenas fotos de grupo.

Hay una serie de errores y problemas comunes a este tipo de fotografía:

- Una o más personas siempre estarán mirando a otro lado o en diferentes direcciones (es decir, a fotógrafos diferentes).
- Las personas parpadean (siempre hay alguien que lo hace y sale con los ojos cerrados)
alguien que falta en la foto.
- Existen estados de ánimo diferentes dentro del grupo (algunos sonrientes, algunos serios, algunos haciendo muecas, etc).
- Los grandes grupos no caben en el encuadre. El grupo estará demasiado lejos o aparecerán todas las personas en la fotografía.

Aunque siempre habrá retos en estas fotos de grupo, hay una serie de cosas que puedes hacer para ayudar a mejorar las posibilidades de obtener la fotografía que buscas:

 Prepárate

A la gente no le gusta que le hagan esperar, por lo que es interesante que tengas esto en cuenta:

- ¿Dónde vas a realizar la fotografía? No todas las ubicaciones son iguales, y la elección dependerá del lugar donde estén reunidos, pero también del tipo de grupo y fotografía.
- ¿Cómo quieres que posen las personas? ¿Serios, sonrientes, bromeando, haciendo muecas?
- ¿Salen todos en la fotografía? A nadie le va a gustar que la cabeza del que tiene delante le tape a él o que se quede fuera del encuadre.
- ¿Has avisado? Parece una tontería, pero te evitarás estrés si avisas 5 minutos antes.
- ¿Tienes la cámara preparada? La cámara, las baterías las tarjetas de memoria…

Localización

El lugar que elijas para realizar la fotografía es importante por una serie de razones. Para empezar, se puede dar contexto a la fotografía: por ejemplo, una foto de un equipo deportivo en su campo de juego es más interesante que una foto de ellos frente a una pared de ladrillos. La otra razón por la que la elección de la localización es un tema que debe elegirse con cuidado es porque puede producir distracciones.

Academy seniors group portrait - Andrew Smith

Elige una posición para el grupo adecuada, donde haya luz suficiente para la toma y donde no hay distracciones. También debes evitar situar el grupo frente a un escaparate o una ventana, donde la luz del flash podría reflejarse destrozando la fotografía.

Haz varias tomas

Una de las mejores maneras de evitar los problemas consiste en tomar varias fotografías rápidamente. A menudo conviene cambiar la configuración de la cámara para el modo de disparo continuo cuando se toman fotografías de grupo y fotografiar así en ráfagas cortas. La primera fotografía a menudo no es buena, pero la siguiente o la otra se verá mejor y el grupo parecerá un poco más relajado, más natural.

Del mismo modo, toma algunas imágenes antes de que todos estén listos. A veces la organización de una foto de grupo puede ser bastante cómica con la gente sin saber muy bien a donde ir y buscando espacios.

The Morning After - EssPea

Acércate

Trata de acercarte lo máximo posible al grupo que vas a fotografiar (sin cortar a nadie en el encuadre). Cuanto más cerca estés podrás obtener un mayor detalle de sus caras, lo que mejora considerablemente la fotografía.

Si el grupo es pequeño, es una buena opción acercarse bastante y realizar un retrato del grupo en primer plano, mostrando las cabezas y los hombros. Para ello tendrás que pedir que se pongan bien juntos unos a otros. Otra manera de conseguir un plano más cerrado es situar a las personas en dos lineas, una detrás de otra, y hacer que las cabezas de los de la línea posterior aparezcan entre los hombros de los de delante.

Karo kids waiting the white people wake up - Eric Lafforgue

Las poses del grupo

En la mayoría de los casos, el grupo se plantea bastante natural (todos lo hemos hecho antes). Las personas altas irán atrás y los más bajos delante. Pero hay otras cosas que se pueden hacer para mejorar la composición de la fotografía:

- Si el evento se centra en una o dos personas (como una boda o un cumpleaños) que sean el punto focal central, poniéndolos en el centro del grupo (se puede modificar esto, poniéndolos en un lado y que todos busquen con la mirada a la persona/pareja).
- Para fotos formales no solo pongas los más altos detrás, sino que los ordenes para que los más altos estén en el centro y los más bajos en los laterales del grupo.
- Trata de no hacer la fotografía demasiado “profunda”. Es decir, trata de que las lineas de personas estén juntas y no haya mucha distancia con el fondo. Esto ayudará a mantener a todos enfocados.
- Dile a todo el mundo levanten la barbilla un poco, te lo agradecerá cuando se vean sin la papada.

Tómate tu tiempo para disparar

Escoge el momento adecuado para la toma con cuidado. Trata de esperar a que todos estén juntos en la reunión. Así todo saldrá más natural.

También es adecuado hacer las fotos al comienzo, antes de que los comentarios o el alcohol puedan hacer mella en alguno de los invitados.

Wedding Group - Ryan Brenizer

La luz

Con el fin de obtener suficientes detalles en las fotografías, es necesario tener la luz suficiente. La manera de conseguir esto varía de una situación a otra.

Si se trata de un día soleado, por ejemplo, trata de no ponerte directamente delante o terminarás teniendo una bonita colección de gente que te mira con los ojos entornados.

La Pegatina - Ibai Acevedo

Toma el control

He estado presente en cientos de fotos grupales donde el fotógrafo casi pierde (o perdió completamente) el control de los invitados por no ser lo suficientemente rápido, o también por no comunicarse bien con el grupo. Es importante hablar con el grupo, hacerles saber lo que quieres que hagan, animarles para que sonrían, decirles que se ven muy bien o cuanto tiempo va a tardar preparar la fotografía.

También es importante dar a las personas una razón para posar para la fotografía. Por ejemplo en una boda que podría motivar a las personas diciendo:

“((los novios)) me han pedido que haga algunas fotos de grupo”

Cuando le das a la gente una razón para posar te darás cuenta de que están mucho más dispuestos.

Otra frase muy útil para estos casos es: “Si puedes ver la cámara, la cámara te puede ver”. Esta es la clave si quieres que se vea la cara de cada persona en la foto.

Si hay más fotógrafos, espera hasta que los demás hayan terminado y luego llama la atención de todo el grupo de lo contrario tendrás a todo el mundo mirando en diferentes direcciones.

Obviamente, no debes ser un dictador al manejar al grupo o podrías terminar con un montón de fotos de grupo de gente muy enfadada. Los mejores fotógrafos saben cómo conseguir la atención de la gente, no solo comunicar lo que quieren, sino también lograr que la gente se sienta relajada.

Para grupos grandes

Los grandes grupos de personas pueden ser muy difíciles de fotografiar.

Una solución para estos grupos es encontrar una manera de elevar la posición del fotógrafo. Si estoy fotografiando una boda y la pareja quiere un gran grupo disparó voy a buscar una escalera (incluso hay quien trepa a los techos de las iglesias) para tomar una foto mirando hacia abajo al grupo. Al hacer esto, puedes meter mucha más gente en el encuadre y estando aun muy cerca del grupo. También ofrece una perspectiva interesante para tus fotos.

Group shot from balcony - Rentoholic17

Usa un trípode

Hay una serie de razones por las que usar un trípode cuando se realizan fotografías de grupos puede ser útil. En primer lugar un trípode da la sensación de que eres un fotógrafo serio y esto puede ayudarte para conseguir su atención (es increíble lo que un aspecto profesional establecido puede hacer con la gente). En segundo lugar le da la libertad al fotógrafo para participar en la creación de la composición del grupo con las personas. Sujeta tu cámara en el trípode de modo que esté lista para hacer la foto y luego tardarás lo mínimo en realizar la fotografía.

Ten un asistente

Si tienes un grupo muy grande, un asistente puede ser muy útil para que el grupo esté bien organizado.

Un asistente también es muy útil si estás tomando varias fotos de grupo (como en una boda cuando fotografías a una familia con distintas configuraciones). En estos casos, tu asistente puede ir preparando y llamando a todas las personas para los grupos establecidos en cada fotografía (ahora la tía con sus hijos, ahora los abuelos, ahora los compañeros de trabajo…). Tener un miembro de la familia que te ayude con esto te asegurará que no se pierda nadie, pero también será bueno porque el grupo está más familiarizado con ellos que contigo y por lo general responderán bien cuando les den órdenes.

Sonríe

Sí. Debes sonreír. No hay nada peor que un fotógrafo estresado y de mal humor. Por lo general, vuelvo a casa después de fotografiar un evento con dolor en la mandíbula de tanto sonreír porque creo que es una excelente manera de conseguir que las personas estén relajadas y contagiarles mi sonrisa. Realmente funciona.

Un ultimo consejo

No dudes en ser creativo si la ocasión lo merece.

1,2,3, group jump! - Mr Andrew Murray

La dirección desde la que vemos una fuente de luz tiene un profundo efecto en nuestra percepción de ella y en la apariencia que van a tener los objetos de una escena. Elegir la dirección desde la que viene la luz principal es una de las decisiones más importantes a tomar, ya que tendrá un gran impacto en la apariencia de la escena, y también en las emociones que tu imagen pueda transmitir.

Luz frontal

Ocurre cuando la fuente de luz está directamente detrás del punto de vista del observador. Lo más común es verla en fotografías con flash y a menudo, es bastante poco atractiva si la fuente de luz es dura – hay excepciones y en algunas situaciones una luz frontal suave puede producir imágenes muy atractivas.

La luz frontal sirve muy poco para mostrar la forma o la textura ya que las sombras estan en su mayoría escondidas de la vista. Como resultado hace que las cosas parezcan planas, aunque una luz frontal difuminada puede también ‘aplanar’ algunos objetos por esta misma razón – puede ayudar a disimular arrugas e imperfecciones y por eso es a menudo usada en retratos y fotografías de producto.

La luz frontal dura tiene ese aspecto de paparazzi: estridente y a menudo inatractiva.

La luz frontal suave difumina las formas.

La luz frontal puede hacer que la escena parezca plana ya que no nos vale para revelar forma y textura.

Luz lateral

La luz lateral es muy buena mostrando la forma y la textura y presta a los objetos una cualidad tridimensional. Las sombras son acentuadas y como resultado el contraste puede ser alto. La luz lateral puede usarse para arrojar sombras dramáticas sobre superfícies tales como muros y crear atmósfera. La luz lateral es generalmente atractiva y es a menudo usada para conseguir un gran efecto: es el tipo de iluminación que se encuentra al principio y al final del día y como tal se ve a menudo en películas y fotografías

La desventaja potencial de usar esta iluminación reside en que algunas áreas de la imágen pueden perderse en las sombras, y que puede revelar imperfecciones tales como arrugas. En el retrato fotográfico, por ejemplo, es generalmente usada con los hombres más que con las mujeres porque tiene una apariencia más dura, especialmente si las sombras no tienen un borde suavizado.

La luz lateral puede usarse para conseguir un gran efecto y revelar forma y textura.

La textura de este muro es revelada por la luz de la tarde que la saca a relucir.

Las largas sombras proyectadas a lo largo de esta imagen ayudan a darle un sentido de profundidad y dimensión.

Luz trasera

La luz trasera ocurre cuando el observador está mirando hacia la fuente de luz, y los objetos tendrán su parte iluminada hacia el lado opuesto a nosotros, para aparecer o bien como siluetas o bien oscuramente iluminados por la luz de relleno. Es normalmente una situación de alto contraste y puede a menudo parecer muy atmosférico y dramático. Si el origen de la luz esta en un pequeño ángulo relativo a nuestro punto de vista, tendrá un filo de luz definiendo uno o más de sus bordes. Cuanto más dura sea la luz, más pronunciado será este filo.

Las escenas iluminadas desde atrás normalmente contendrán un montón de sombras a no ser que el orígen de la luz sea muy suave. La mayoría de las veces la imágen será predominantemente oscura con zonas definidas dramáticamente iluminadas. El filo iluminado que conseguimos en esta situación puede ser muy útil para definir las formas entre las sombras. Otra característica de este tipo de luz es que revela la transparencia, translucencia y cualquier fino detalle o textura a lo largo de este borde iluminado. Este tipo de luz es muy efectiva para prestarle drama a una imágen.

La luz trasera puede hacer que hasta el más mundano de los temas parezca atractivo.

Es también un modo efectivo de revelar la translucencia.

Las siluetas son una característica común de las escenas iluminadas desde atrás.

Luz Cenital

La iluminación desde arriba es una situación ligeramente más inusual, aunque es común en la luz de un día nublado. Se puede encontrar también en la luz del sol al mediodía, en algunos interiores y en otras situaciones como la iluminación de escena. Con luz suave es un modo muy efectivo de mostrar la forma. Bajo una luz dura, puede darle un aire de misterio por las sombras dramáticas que proyecta, que ocultan las formas bajo ella: por ejemplo la gente que permanece directamente bajo la luz dura tendrán agujeros negros en lugar de ojos, ya que la cuenca del ojo estará en sombra total.

A mi entender, la iluminación cenital es raramente utilizada por los artistas, aunque eso no quiere decir que no debería ser usada. Para la iluminación de un día nublado es el set-up más realista, con el cielo entero actuando como una enorme fuente de luz difusa. Es también una iluminación inusual para situaciones más atmosféricas y el simple hecho de que no se vea a menudo puede ser usado para crear un sentiemiento de incomodidad.

La luz suave desde arriba es una característica de situación meteorológica nublada.

Iluminar una figura directamente desde arriba puede dar un aspecto amenazante. Enfatiza la estructura de los huesos y la profundidad de las cuencas de los ojos.

 Luz desde abajo

Si la iluminación directamente desde arriba es rara, entonces hacerlo con la luz directamente desde abajo es todavía más inusual. En un contexto natural esto puede ocurrir si alguien está de pié junto a una fogata, o sosteniendo una linterna. La luz reflejada puede también venir desde abajo, desde el agua, por ejemplo. Le daría una apariencia complétamente extraña a los objetos más familiares, incluso, ya que lo que usualmente se ve con luces y sombras serán revertidas ( piensa en una persona iluminandose la cara con una linterna desde abajo: Las sombras parecen estar al revés).

De nuevo, la rareza de este tipo de iluminación puede usarse para un efecto creativo. Instintivamente reconocemos que las cosas no parecen estar bien, y esto puede usarse para crear ambientes específicos, manipulando la iluminación para provocar emociones y respuestas.

La iluminación desde abajo se ve raramente, pero puede ser usada para crear imágenes inusuales.

La iluminación desde abajo crea un aspecto misterioso y poco familiar. Incluso las zonas iluminadas en los ojos se ven extrañas debido a su colocación. Date cuenta de cómo el ángulo de luz también enfatiza la textura de la piel. Compárala a la imágen de la sección anterior: es la misma cara, sólo la posición de la luz se ha movido, pero parecen completamente diferentes la una de la otra.

¿Recuerdas el primer artículo de esta serie sobre La luz?

Inauguramos un especial sobre las técnicas de manipulación de fotografía. En esta serie de artículos mostraremos el flujo de trabajo completo y algunas técnicas de manipulación con ejemplos prácticos.

Hoy comenzaremos hablando de las imágenes de stock.

¿Qué son las imágenes y los bancos de stock?

Las imágenes de stock (también llamadas imágenes de archivo) son imágenes que, siendo bien gratuitas o bien de paga, están al alcance de los usuarios para poder utilizarlas libremente.

Los bancos de imágenes de stock, son una excelente opción para todos los fotógrafos e ilustradores, aficionados y profesionales que quieren hacerse con fotografías de alta calidad, a un precio razonable o de manera gratuita.

Antes de la era del Internet, las agencias de stock distribuían catálogos en los que presentaban el portafolio de los artistas asociados a ellas, y de entre estos archivos los clientes podían escoger las imágenes que más les convenían, sin necesidad de buscar a un fotógrafo particular, lo cual habría encarecido mucho los costos de cualquier proyecto, además de prolongar la obtención del material requerido, dado que con las fotografías de stock, el trabajo ya está hecho! Lo único que deben hacer es adquirirlo y listo.

Algunos ejemplos de webs que se dedican a la venta de microstock

Se habla de dos modelos distintos en cuanto a agencias de fotografía de este tipo: las agencias de macrostock, en las cuales las imágenes se venden por un precio relativamente alto, pero en menor número de ocasiones; y las agencias de microstock, en las que las fotografías son comercializadas por un precio muy bajo, pero que compensan la pequeña retribución con un número mucho más elevado de ventas individuales.

Elegir las imágenes adecuadas para tu manipulación

Antes de empezar a buscar imágenes en primer lugar debes tener una idea básica de lo que quieres conseguir, que tipo de imagen, el estilo de la manipulación que quieres hacer, etc. También se debe establecer cuál será el color (o los colores) dominante en tu trabajo.

Puedes elegir el color que desees, es irrelevante en el proceso de búsqueda. En otras palabras, puedes elegir cualquier imagen que te guste, siempre que no sean en blanco y negro. Aún en el caso de que fueran en blanco y negro, podrías colorearlas, pero tardarías mucho más tiempo.

Por lo tanto, ¿Qué es lo que debes empezar a buscar en primer lugar? ¿el fondo? ¿el/la modelo? En realidad, no importa, pero que sin duda debes comenzar de esa manera. No querrás comenzar a buscar los pequeños detalles sin saber cómo será el conjunto de la escena. Lo primero es montar la escena básica.

Por ejemplo, si encuentras una buena fotografía de una modelo con un vestido medieval bonito, a continuación, empezarás a buscar una imagen de fondo que se ajuste al traje de la modelo, más o menos.

Incluso en el inicio del proceso de manipulación se debe tener en cuenta la luz. En mi caso, la iluminación de la imagen de fondo sirve de guía en la elección del resto de las imágenes. En realidad es bastante difícil encontrar imágenes que encajan perfectamente pero no te preocupes, se pueden crear luces y sombras después. Sólo tienes que elegir las imágenes que coincidan más o menos.

Para las manipulaciones de fantasía, la elección de imágenes no es una tarea muy difícil, pero en general depende de la complejidad que desee para hacer su obra de arte.

Descarga varias imágenes y trata de combinarlas. Sólo porque las imagenes elegidas se vean muy bien, no significa que vayan a verse bien una vez que se combinen unas con otras en Photoshop. Por lo tanto, asegúrate de descargar varias imágenes, abrirlas en Photoshop, hacer recortes en bruto y probar la composición para ver si podrían encajar.

Siempre trataremos de trabajar con imágenes de gran resolución.

¿Dónde buscar las imágenes de archivo?

Hay muchos sitios web que proveen buenas imágenes de archivo. Normalmente utilizo imágenes de sxc.hu y deviantart, pero hay un montón de  buenos sitios. Como probablemente sabrás, algunos bancos de imágenes son más caros, como ShutterStock y algunos son más baratos, como DepositPhotos. En cualquier caso, debes dar crédito a los autores y asegurarte de leer sus condiciones de uso.

Aquí tenéis algunos sitios de donde podéis sacar imágenes de stock:

• http://www.shutterstock.com/
• http://depositphotos.com/
• http://www.sxc.hu/
• http://browse.deviantart.com/resources/stockart/
• http://www.stockvault.net/
• http://www.freepixels.com/

Creación del proyecto

Esta es la forma en la que yo siempre inicio un nuevo proyecto.

Lo primero es crear una nueva carpeta donde guardar todas las imágenes que vaya a descargar. Entonces, comienzo a navegar por las imágenes que considero que pueden verse bien juntas. Siempre descargo una gran cantidad de imágenes en primer lugar.

Después de abrir un archivo que creo que podría ser una buena base, hago combinaciones con las demás imágenes para ver cuáles funcionan correctamente. Llegado a este punto no dudo en deformar las fotografías para que se ajusten correctamente.

Después de ver qué imágenes podrían trabajar juntas, descarto las demás y comienzo a trabajar.

Esto fue sólo una introducción al curso, pero para algunos de ustedes tal vez sea útil. En la segunda parte voy a hablar de cómo mezclar colores e imágenes de archivo usando mapas de gradientes y ajustando el contraste mediante un ejemplo práctico.

Este curso está basado en el original de  Andrei Oprinca.

¿cómo puedo fotografiar cascadas?

Las cascadas se presentan como un maravilloso y desafiante tema para los fotógrafos. En primer lugar son lugares hermosos, en segundo lugar,están a menudo en condiciones de iluminación difíciles y en tercer lugar son dinámicas, ya que se están en continuo movimiento (y por supuesto, el movimiento significa un reto pero también una oportunidad).

Mucho se ha escrito sobre cómo fotografiar cascadas y afinar en nuestras tomas, pero los fundamentos son bastante simples.

Trabajando con el Movimiento

Cada vez que se presenta un motivo en movimiento, un fotógrafo tiene dos opciones. En primer lugar se puede congelar el movimiento mediante el uso de una velocidad de obturación y en segundo lugar, puede capturar y mejorar el movimiento mediante el uso de una velocidad de obturación larga para difuminar el movimiento en la fotografía, en este caso el agua.

La mayoría de los fotógrafos optan por la segunda opción y permitir que el agua salga borrosa. He aquí cómo hacerlo: necesitarás tu cámara y un trípode. También será útil disponer de un filtro polarizador, si tienes uno.

Cómo fotografiar cascadas

Haz una foto de prueba: Antes de empezar a experimentar, cambia la cámara al modo automático, asegúrate de que el flash está apagado y haz una foto de la cascada. Al hacerlo, toma nota de la exposición que la cámara ajusta. Tu cámara, casi con toda seguridad, habrá elegido una exposición que habrá “congelado” el agua un poco. Esta foto será poco más que un punto de referencia para comparar sus fotografías y podrás utilizarla como base para las restantes exposiciones.

Modo de prioridad de obturador: Cambia el modo de disparo de tu cámara al modo de prioridad de obturador de la cámara (ya hemos hablado del obturador y modos de prioridad de apertura previamente). En general, deberás conseguir una velocidad de obturación de 1 a 2 segundos para conseguir un agua muy sedosa.

Trípode: Por supuesto, para tomar una foto a una velocidad de obturación de esta longitud definitivamente se necesita un trípode o alguna otra forma de garantizar que la cámara esté completamente quieta durante todo el tiempo que el obturador permanezca abierto.

¿Suena fácil?, no es así: Pones tu cámara en el trípode, cambias al modo de prioridad de obturación, ajustas la velocidad de obturación de 1 a 2 segundos y haces la foto. LISTO. Desafortunadamente, en la mayoría de los casos no es así de simple.

El problema es que con el aumento de la velocidad de obturación aumenta la cantidad de luz que entra en la cámara y menos que sea un día muy oscuro y sombrío, verás que tu imagen estará sobreexpuesta (a pesar de que en el modo de prioridad de obturador de la cámara elegirá una abertura muy pequeña para tratar de compensarlo).

Otros consejos para conseguir una exposición correcta

Hay un par de cosas que puedes hacer para disminuir la cantidad de luz que entra en la cámara y obtener unos niveles de exposición más correctos:

El momento perfecto: escoge el momento adecuado del día para hacer la fotografía cascada. En torno a amanecer y el atardecer son los momentos más obvios ya que la luz es menos brillante. También los días nublados son mejores que los brillantes.

Filtros: utilizando un filtro que reduzca la cantidad de luz que entra en la cámara también puede ayudar. Hay una variedad de filtros disponibles que hacen esto, pero yo por lo general utiliza un filtro polarizado, ya que no sólo reduce la luz que llega al sensor, también puede ayudarte a mejorar tus fotos al reducir los reflejos. Otro tipo de filtro que puedes utilizar es un filtro de densidad neutra, que es un filtro que reduce la luz que entra en la cámara, casi como ponerse las gafas de sol.

Modo Prioridad de Apertura: si todavía tienes problemas con la exposición, otra opción que puedes tomar es cambiar al modo de prioridad de apertura y elegir la apertura más pequeña posible. En la mayoría de cámaras será f/22 o f/36.

El resultado de esta elección es que la cámara elegirá automáticamente la velocidad del obturador más larga para la apertura. No será de 2 segundos, pero casi siempre será más larga que la velocidad de obturación que utilizó en el disparo de prueba. La otra consecuencia es que tendrás una mayor profundidad de campo y la cascada estará más enfocada.

Baja la ISO: Seleccionar una menor ISO significa que el sensor de la cámara es menos sensible a la luz y será necesario que el obturador se abra más. También significará fotografías menos “ruidosas” o granuladas que permitirán disfrutar de los detalles de la imagen.

Algunas cosas más

Por supuesto, conseguir la exposición correcta es sólo una parte de la ecuación cuando se trata fotografiar cascadas. He aquí algunos consejos adicionales.

Cuida la composición: Una cascada puede ser fotografiada desde diferentes ángulos y en diferentes formas que van desde el disparo gran angular que pone a la cascada en que es un contexto más amplio hasta en recortar bien las imágenes para centrarse en sólo una pequeña parte de la cascada. También busca las diferentes formas en que el agua fluye. En algunos lugares se van a unir múltiples corrientes, en otros brotarán de manera explosiva y en otros el agua fluirá suavemente en una sola corriente. Prueba y experimenta con las diferentes opciones que se te presentan.

Asegúrate de que todo esté en orden: antes de tomar las fotografías escanea tu encuadre y mira a ver si hay elementos que distraigan y puedan ser movidos. No solo la basura, sino también las hojas en las rocas, señales, etc Basta con poner en orden la imagen de una manera que no haga ningún daño físico a la ubicación para poder tomar tus imágenes (respetando la legalidad, siempre).

No te obsesiones con un agua sedosa: es un efecto difícil de omitir cuando se realiza este tipo de fotografías, pero no dejes que se convierta en el único tipo de imagen que hagas. Trata de tomar algunas fotos con velocidades de obturación más rápida también. Esto puede darte fotografías espectaculares en lugares don de la furia de la cascada ofrezca una gran cantidad de salpicaduras y explosiones.

Sal y experimenta

Esta es suficiente teoría. Ahora es el momento de salir e intentarlo porque cuanto más lo intentes, mejor te saldrá.

Me encantan las  ciudades. Aunque me gusta salir al campo también soy un gran fan de la prisa y el bullicio de la ciudad. No es algo que les guste a todos, pero me parece que las ciudades son muy interesantes para pasar el tiempo, tanto a nivel personal, como también fotográficamente hablando.

Los siguientes son 11 consejos para ayudarte a mejorar tus fotografías urbanos

La fotografía urbana es un tema algo complicado de definir ya que se diluye entre varios géneros. A los efectos de este artículo comentaré que algunos géneros fotográficos relacionados con la fotografía urbana son:

• Fotografía de paisaje urbano: se trata de conseguir fotografías que muestren la ciudad y su silueta más que centrarse en detalles concretos.
• Fotografía de arquitectura: este tipo de fotografía se centra más en un edificio puntual, intentando captar toda su esencia.
• Fotografía casual: con esta fotografía buscamos captar la “vida” de la ciudad, el comportamiento de las personas que viven en ella cobra especial importancia.

Consejo 1. Contar con varios objetivos

Para mi es suficiente llevar encima un par de objetivos. Prefiero tener un objetivo gran angular y un teleobjetivo (zoom), creo que con eso es suficiente. Las longitudes focales más largas son útiles para capturar los detalles de las escenas de la construcción y de la calle (ten en cuenta que también tienden a aplanar las imágenes), pero una lente gran angular es ideal para capturar la imagen completa y tienden a dar una mayor profundidad de campo que dará interés y mejorará la sensación final de tu fotografía.

Consejo 2. Otros accesorios a tener en cuenta

El equipo que vayas a utilizar en una sesión de fotografía urbana, por supuesto, refleja tu propio estilo de fotografía (si, también tu presupuesto, jeje), pero además de la cámara y esos dos objetivos, deberás hacerte con un monopie (o un trípode si vas a disparar en la noche) , filtros polarizadores, filtros UV (para cuando no uses el polarizador), una mochila donde entre todo, baterías de repuesto y normalmente el flash externo, por si fuera necesario.

Consejo 3. Buscar los contrastes

Una de las cosas que más me gusta de las ciudades es la diversidad que se puede encontrar, tanto en términos de la gente (que es donde se reúnen todos los tipos), cómo en la diversidad visual de los distintos lugares y edificios. Buscar y capturar los contrastes entre los estilos arquitectónicos, materiales de construcción, colores… hará que termines la sesión con algunas fotos muy interesantes.

Consejo 4. Ten en cuenta a las personas

Un reto constante para los fotógrafos de paisaje urbano es que las ciudades son lugares donde normalmente hay personas. No hay ningún problema con ello, pero en las fotografías urbanas tienden a convertirse en el centro de atención, tanto si quieres que lo sean como si no. Debes tener en cuenta en la fotografía urbana que las personas van a estar allí, por lo que vas a tener que utilizarlas o prescindir de ellas. Una forma de eliminar personas de fotos es comprobar a que horas y que días las zonas que quieres fotografiar están menos transitadas. En última instancia, cuando dudes si incluir o no a la gente dentro de una fotografía piensa:  ”¿son relevantes?” y “¿añaden o eliminan algo de la composición? ’. Si la mejoran, las incluimos, si no… nos deshacemos de ellas.

Consejo 5. Aunque las elimines, siguen ahí

Si decides finalmente no mostrar a las personas en tus fotografías, casi siempre siguen estando presentes. La fotografía urbana no siempre incluye a las personas directamente, sino que habla de la forma en que vivimos (para bien o para mal). Puede ser un arma muy poderosa el mostrar en tus fotografías cómo vive la gente. Al hacerlo, añades capas de interés y haces las fotos más dinámicas.

Consejo 6. Prepara tus localizaciones

La fotografía urbana puede parecer una cosa muy espontánea (y en ocasiones puede serlo realmente), pero muchas de las tomas más espectaculares son el resultado de una cuidadosa planificación. Es increíble cómo un lugar puede cambiar dependiendo de la hora del día (como resultado de los distintos ángulos como incide la luz, sobre todo) por lo que es interesante explorar las posibles ubicaciones en diferentes momentos del día . En cuanto a qué hora del día es ”mejor” a la fotografía… No estoy seguro de que exista una hora en concreto, pero mi preferencia personal es por la tarde o en días nublados, pero que no sean demasiado oscuros.

Consejo 7. Busca temas concretos

Si bien hay diversidad real de las zonas urbanas también hay muchos temas recurrentes de la vida. Por ejemplo, Hace poco vi una exposición de paisajes urbanos que exploran los lugares donde la gente vivía en una ciudad. Se trataba de una serie de fotos sobre las casas de las personas que van desde los bancos del parque, pasando por los almacenes convertidos, hasta las casas más antiguas. Ver unas al lado de las otras era muy llamativo.

Consejo 8. Busca reflejos

Muchos edificios hoy en día se construyen con superficies altamente reflectantes. Esto supone una oportunidad y un desafío. Se pueden lograr algunos efectos espectaculares fotografiando los reflejos que nos ofrecen los edificios. Para encontrar la manera perfecta de hacer esto a menudo tienes que probar un montón de ángulos hasta encontrar el mejor reflejo. Si deseas eliminar los reflejos no deseados de espejos o ventanas brillantes que vale la pena invertir un poco de dinero y utilizar un filtro polarizador.

Consejo 9. Dispara cuando se vaya la luz

Las ciudades cambian increíblemente cuando llega la noche y se encienden las luces. Lo que puede ser una escena gris sin personalidad puede convertirse rápidamente en algo con un montón de carácter y animada. Me gusta fotografiar en ese momento del día en penumbra, entre el día y la noche, porque todavía hay luz en el cielo pero ya están encendidas las luces de la ciudad.

Consejo 10. Explora distintas zonas de la ciudad

Una cosa que me fascina de las ciudades son las diferencias entre una zona y otra. En una o dos manzanas se puede pasar de una zona de negocios o de la zona comercial a una zona industrial o una zona residencial o a la periferia. Muchos fotógrafos urbanos tienen una preferencia por uno o más de estos tipos de áreas, pero si estás empezando puede valer la pena experimentar con las posibilidades que cada una de estas áreas. Ten en cuenta que no todas las áreas de las ciudades son siempre seguras. Puede ser prudente salir a fotografiar con más gente.

Consejo 11. Encuentra lo urbano en los suburbios.

Tal vez he sido un poco de “ciudad” con este mensaje, pero todo lo que he escrito sobre la fotografía urbana se puede utilizar en los suburbios de nuestras ciudades y en los pueblos aún más pequeños. Estas localizaciones nos pueden deparar auténticas obras de arte.

En este tutorial vamos a aprender una técnica que hará que el maquillaje digital te sea mucho más fácil a partir de ahora. Veremos cómo organizar las capas para que puedas experimentar con diferentes colores de maquillaje y cambiar entre ellos rápidamente.

Trabajar en un retrato frontal nos hará las cosas más fáciles en este tutorial, pero en muchos casos esto no es posible. Lo más importante es conseguir la técnica, una vez dominada seremos capaces de aplicar el maquillaje digital a diversos retratos en diferentes ángulos.

El resultado final

He obtenido la fotografía original de Depositfiles. Si lo deseas, puedes conseguir la imagen aquí: http://depositphotos.com/3404224/stock-photo-Attractive-woman.html.

Paso 1

Abre la imagen en Photoshop. Recuerda siempre que trabajar con una imagen de mayor resolución es siempre mejor. Vamos a ver cómo trabajar de forma no destructiva, ya que no hay ninguna razón para duplicar su foto, a no ser que quieras.

Paso 2

Tienes que tener en cuenta que cada tipo de maquillaje, colores, etc, se ve de forma distinta en función de los distintos tonos de piel. He modificado ligeramente el tono de la piel de la modelo con el balance de blancos para obtener un tono de piel fría y neutral. La piel natural de la modelo estaba bien.

Si deseas hacer cualquier ajuste el tono de piel es mejor hacerlo ahora ya que eso afectará el resultado final de la composición y puede que no obtengas el resultado que quieres en tu maquillaje si haces los ajustes de la piel después de aplicar el maquillaje .

Observa en la imagen que he utilizado capas de ajuste en lugar de de modificar la imagen original. De esa manera siempre puedo volver a ella más tarde y hacer los ajustes que consideremos oportunos.

Paso 3

Ahora puedes comenzar a aplicar el maquillaje. Tengo que admitir que yo no soy un experto cuando se trata de maquillaje, de hecho, debería haber pedido ayuda a alguien con esto. Si sabes maquillar posiblemente harás esto mucho mejor, sólo estoy tratando de enseñarte cómo hacerlo en Photoshop.

Mi consejo es pintar los dos ojos al mismo tiempo, de lo contrario podemos no usar el tono exacto del maquillaje y esto puede causar problemas. Otro buen consejo es hacer que cada ojo en capas separadas, ya que podrías tener que usar diferentes modos de fusión para cada ojo ya que si, por ejemplo, un ojo es más oscuro que el otro, un mismo modo de fusión no te dará el mismo resultado para ambos ojos.

Para empezar, selecciona la herramienta Pincel (B), selecciona el color que desea utilizar y pintar un área más grande de la que necesitas. La razón de hacerlo así es que siempre es más fácil eliminar lo que no es necesario que pintar exactamente la zona necesaria.

Ahora crea una máscara de capa y utilízala para ocultar las zonas no deseadas. Los ajustes de pincel que suelen utilizar cuando se enmascara el maquillaje son:

La dureza alrededor del 50% y la opacidad aproximadamente del 75%. De esa manera podemos “pintar” sobre una misma zona varias veces y tener más control sobre dónde aplicamos la máscara.

Probablemente la pregunta más común es: ”¿Qué modo de fusión debería usar?“. No hay un modo especial que sea perfecto para todos los estilos de maquillaje, depende en gran medida de la iluminación de la piel, el tono de piel y los colores del maquillaje.

Sólo tienes que ir probando y ver cuál funciona mejor en cada caso particular. Una buena técnica para encontrar el mejor modo de mezcla es, después de pintar, probar todos los modos de mezcla y si ninguno de ellos te convence, elegir el que está más cerca de tu idea y luego usar el ajuste de Tono/Saturación y jugar con los tres deslizadores hasta conseguir el resultado deseado.

Paso 4

Ahora debes hacer lo mismo en el otro ojo y duplicar la capa si necesitas un efecto de sombra más fuerte.

Paso 5

Ok, ahora que tenemos esa sombra marrón alrededor de los ojos es el momento de añadir un segundo color. Usé un maquillaje real como guía y vi que de color marrón y amarillo se combinaban muy bien.

Una vez más, utiliza una nueva capa y pinta sin ningún tipo de temor a pasar por encima de los ojos o las capas de maquillaje otra parte. No tengas miedo. Ahora, igual que antes, crea una máscara de capa y empieza a eliminar el color de las zonas que no necesitas. Es mucho más fácil de esta manera. Echa un vistazo a la vista previa a continuación.

Paso 6

Si quieres hacer que los ojos destaquen aún más, puedes utilizar cualquier técnica Dodge & Burn (aclarado y oscurecido selectivo) para oscurecer los bordes y destacar el interior de los ojos, también puedes oscurecer un poco las cejas. Mantén el puntero del ratón sobre la imagen para ver el antes y el después de este efecto.

Recuerda que  utilizar opacidades inferiores al 50% nos dará una ventaja significativa en el control del maquillaje. Maquillaje demasiado opaco no se ven bien.

Basado en el original visto en PSDBox.

¿Es complicado fotografiar insectos volando? Si alguien alguna vez se ha propuesto hacer este tipo de imágenes sabe perfectamente que no es tan sencillo como aparenta.

Cada fotógrafo tiene su propio método para conseguir capturar a los bichos en acción, en esta ocasión un fotógrafo llamado Frans comparte su secreto, mostrando la cámara y el aparatoso sistema que desarrolló para optimizar las tomas.

Los elementos necesarios para este tipo de fotografía son: un objetivo macro y mucha luz. Por lo que este señor ideó un arnés en donde está fija la cámara (con un objetivo preajustado) con dos flashes y dos lásers apuntando a 45º; la idea es que los flashes iluminen correctamente el espacio por donde vuela el insecto, mientras que los lásers sirven como sensores cuando la cámara está en modo automático.

Es importante señalar que en las cámaras digitales (a diferencia de las sólo mecánicas), el retraso al pulsar el disparador y que el obturador ejecute la acción es de unos 50 milisegundos que en tiempo insecto es muchísimo. Esto se debe a que las cámaras digitales tienen que preparar su sensores internos para tomar la foto, cosa que las cámara antiguas no hacen por lo que su retraso no pasa de 10 milisegundos. Por esta razón, este fotógrafo, añadió a su cámara digital un obturador mecánico de hace 50 años, un compur1 1955-1960; el cual no se retrasa tanto en tomar la foto.

Y si quieres ver una galería de fotos tomadas con este sistema, haz click aquí.

Visto en Geek.

Parece que hay muy poca información disponible y de forma detallada sobre lo que para mí es una materia crucial para los artistas de todo tipo: La iluminación en todos los aspectos en los que la encontramos en nuestra vida diaria. He leido incontables libros que tratan sobre arte tradicional y digital y el tema de la luz siempre parece ser tocado muy ligeramente (perdón por la puya). Cualquiera que desee crear la ilusión de realidad debería tener una buena comprensión de cómo se comporta la luz en el mundo físico.

Introducción

Los peores culpables en mi opinión son los libros de 3D, que repíten las mismas viejas cansadas fórmulas de siempre y dejan a los artistas principiantes una visión muy ligera de cómo iluminar sus escenas. El resultado es que la luz está mal entendida y pobremente usada por los artistas digitales en general. Fotógrafos e ilustradores necesitan tener un mejor entendimiento de la luz, ya que la luz es un elemento crucial de cualquier arte. Sin entenderla bien, es muy difícil conseguir el realismo, por no hablar de la atmósfera.

Como nunca he encontrado un artículo detallado sobre la luz en internet, he decidido escribir éste. La mayoría de lo que escribo aquí está basado en mi propia observación, así que puede haber alguna imprecisión extraña. Puede ser que sea tan obvio que no necesite ser explicado, pero me parece que la observación del mundo que nos rodea es necesaria para darse cuenta exactamente de cómo la luz se comporta en diferentes situaciones

1ª Parte: Conocimientos básicos

Durante este artículo voy a utilizar un diagrama de una bola blanca sobre una tarjeta también blanca para demostrar cómo la luz se comporta en diferentes situacines cotidianas

Aquí muestro un mediodía soleado. La fuente de luz principal es la luz del sol, mientras que el cielo azul aporta una segunda fuente de luz con características muy diferentes. Otra luz rebota entre la tarjeta blanca y la bola, y aporta una tercera fuente de luz.

La luz más brillante es la luz que proviene del sol y es una luz blanca que emana de una fuente pequeña, lo que causa que provoque sombras con un filo muy marcado. La segunda fuente, el cielo azul, es una fuente de luz muy amplia, y como resultado las sombras están muy suavizadas (que en cualquier caso estan completamente disimuladas por la luz directa proveniente del sol). Entraré en más detalle sobre las fuentes de luz y el tamaño de las sombras más adelante, pero por el momento, recuerda que cuanto más pequeña es la fuente de luz, más duras son las sombras.

La luz proveniente del cielo azul emite un color muy fuerte que afecta a todo en esta escena. La sombra proyectada por la bola es azul porque está iluminada por la luz del cielo, mientras que la bola la está escudando de la luz blanca del sol. Las partes de la bola que no están en la luz del sol directa también toman un tono azul, porque estan iluminadas por el cielo azul.

Finalmente, la luz que se refleja entre la tarjeta y la bola es también predominantemente azul (incluso cuando la tarjeta y la bola son blancas) ya que se trata de la luz azul del cielo que está siendo reflejada por los objetos blancos. Las superfícies que están más próximas entre sí reciben más de esta luz reflejada que las áreas que estan alejadas entre sí, así pues, la parte inferior de la bola está más iluminada que la parte central porque está más próxima a la tarjeta blanca.

Las áreas más oscuras de la imágen son la base de la proyección de la sombra y el borde entre las areas soleadas y la sombra de la bola: Esta zona se llama el terminador. La base de la sombra proyectada es muy oscura, porque no recibe la luz del sol y también la bola la está tapando de la mayoría de la luz del cielo y la luz rebotada. El otro lado de la sombra proyectada es más clara porque recíbe más luz del cielo y también rebotada de la propia bola.

¿Por qué es el centro la zona más oscura de la bola?

Parcialmente por el efecto de contraste, estando tan cerca del lado brillante de la bola bajo el sol, que lo hace aparecer oscuro, pero también está recibiendo menos cantidad de luz rebotada, reflejada de la tarjeta blanca. A diferncia del resto de la bola, que recibe tanto la luz del sol completamente como la luz reflejada de la tarjeta blanca, su fuente de iluminación principal es el cielo azul. Se trata del area que hay entre la luz principal (el sol) y la luz de relleno (la reflejada por la tarjeta)

¿Por qué es azul la luz del cielo?

La luz visible está hecha de pequeñas partículas llamadas fotones; estas partículas tienen diferente longitud de onda dependiendo de su color: La luz azul se comprende de partículas con una longitud de onda más corta, mientras que la roja está hecha de partículas con la longitud de onda más larga.

La luz blanca del sol está hecha de un contínuo espéctro de colores que, convencionalmente, se dividen en los colores del arcoíris (con longitudes de onda progresivamente más largas: violeta, indigo, azul, verde, amarillo, naranja y rojo). Es la mezcla de estos colores la que produce el blanco.

Sin embargo, lo que le ocurre a la luz cuando viaja por la atmósfera de la Tierra es que las longitudes de onda más corta se desvían. Nuestra atmósfera está hecha de varios gases y los átomos y moléculas de las que esta formada estan suspendidas dentro de ella. Los fotones que viajan a través de la atmósfera físicamente colisionan con estas partículas atómicas. Esta colisión desvía los fotones y los hace rebotar en otra dirección. Las longitudes de onda más cortas son más susceptibles de ser desviadas que las largas, así que los fotones que son desviados en todas direcciones por estas colisiones son predominantemente azules.

En un día despejado la luz azul desviada por la atmósfera terrestre brilla sobre todas las cosas alrededor nuestra.

Las longitud de onda más largas, como el rojo, pueden viajar más lejos a través de la atmósfera sin ser desviada. Es por eso que las puestas de sol son rojas: como la luz viaja a través de una capa de aire más gruesa para alcanzarnos cuando esta más baja en el cielo, un montón de luz azul se pierde durante el scattering, y la luz que queda es predominantemente roja.

La luz del sol brilla roja al atardecer porque las longitudas de onda azules más cortas se han perdido debido al scattering. *Date cuenta sin embargo de que la luz azul se refleja de la parte este del cielo y actua como luz de relleno en las olas en primer plano.

El efecto del rebote de los fotones azuels en todas direcciones es que la atmósfer de hecho brilla con luz azul, un efecto que es claramente visible desde el espacio. Esta luz azul es lo suficientemente fuerte para iluminar areas que no están expuestas directamente a la luz del sol, lo que hace que todavía puedas ver cuando estás bajo una sombra.

Las sombras en esta foto tiene una proyección azul muy fuerte porque están siendo iluminadas por el cielo azul.

Rebotes de luz

Cuando la luz golpea en una superfície, o bien rebota, o bien es absorvida por ella, dependendiendo del color que sea la superfície. Un objeto blanco reflejará todas las longitudes de onda por igual, mientras que un objeto negro las absorverá todas. Cuando la luz golpea una superfície roja las longitudes de onda azules y verdes son absorvidas y la luz roja es reflejada (estoy utilizando los colores primarios en vez del espectro completo aquí, en favor de la simplicidad)

Así, si la luz blanca golpea una superfície roja, los fotones que esta superfície refleja serán rojos. Cuando estos fotones golpean la siguiente superfície que encuentran en su camino estarán logicamente iluminandola con luz roja. Este fenómeno se denomina radiancia y por este motivo, los colores de los objetos adyacentes tendrán un efecto en el resto.

La luz reflejada de esta persiana venciana proyecta el color de la madera en la pared.

El abdomen trasero de esta abeja ha sido fuertemente influenciado por la luz roja, reflejada de la flor.

La radiancia es usualmente un efecto muy sutil, y necesita de una gran cantidad de luz para que se vea. Con una luz suave o disminuida puede no ser visible en absoluto, sin embargo con una luz brillante puede añadir un montón de color a los objetos que afecta. Si la luz se refleja entre objetos del mismo color puede crear puede crear un efecto muy saturado, ya que la luz rebotada refuerza el color existente de la superfici subyacente, haciendo que el color brille vívidamente – Se puede ver este fenómeno a veces en la luz del día.

Como la luz rebota entre estas tiras de madera, el color se realza por el hecho de que la luz del mismo color se refleja de nuevo en sí misma. El resultado es que la luz coloreada y la superfície subyacente se combinan para crear una versión saturada y resplandeciente del color de la madera original.

Valores alto y bajo

El cómo elegimos representar una escena es algo subjetivo a abierto a la interpretación. La mayoría de las situaciones tendrán un balance entre luz y sombra que produciran una media o un grís medio, porque eso es lo que percibimos como normal. Aunque hay algunas situaciones en las que el orden natural de las cosas tiende hacia un extremo de luz o de sombra como por ejemplo la niebla o la niebla en contraposición a una escena nocturna. Alternativamente, un artista puede elegir enfatizar uno de estos extremos para conseguir un impacto visual, o transmitir un sentiemiento específico.

Valor alto

Las imágenes con valor alto tienen una predominancia de blanco o tonos muy suaves y tienden a tener una apariencia ligera y etérea. La iluminación con valores altos es a menudo (pero no siempre) suave, y hay poco detalle, generalmente. En la naturaleza, la iluminación de valor alto se encuentra en la niebla y en la nieve, donde incluso las sombras son suaves debido a la cantidad de luz reflejada que rebota.

La aparente simplicidad de esta fotografía se crea por la paleta tan limitad que utiliza: blanco y algunos grises oscuros y negros

Valor bajo

Las imágenes con valor bajo tienen por su propia naturaleza muy poca luz en ellas. El contraste es normalmente alto y la iluminación dura. La iluminación de valor bajo puede crear una atmósfera muy interesante y a menudo es utilizada con este propósito. La configuración más obvia para la ilmunación de valor bajo es la noche, pero puede encontrarse también en otras situaciones, tales como tormentas o interiores.

La iluminación de valor bajo enfatiza el efécto dramático de esta imágen.

Balance de blancos

La mayoría de las fuentes de luz que encontramos en situaciones cotidianes tienen una proyección de color aunque nuestro cerebro es muy bueno filtrandolas. Tan pronto como hay una vaga mezcla de los tres colores primarios en la luz, nuestro cerebro los interpreta como blanco. Incluso bajo luces con un color muy fuerte tenemos la capacidad de filtrar la información que reciben nuestros ojos y deducir los colores de manera que los percibimos en cantidad relativa, en lugar de una manera absoluta.

La manera más obvia de demostrar esto es usar una cámara digital con el balance puesto a luz diurna: Esta es una posición neutral que reflejara los colores tal y como están ahí. En el ejemplo de abajo he sacado una foto con una ventana como fuente de luz. La luz viene indirectamente de un cielo overcast y es relatívamente neutra.

En la siguiente fotografía he cerrado las persianas y he utilizado una bombilla casera de 60 watt como fuente de luz:

La fuerza del color proyectado en esta imágen puede haberte sorprendido, ya que no tendemos a percibir la iluminación del tungsteno como si fuera amarillo brillante/naranja. Nuestro cerebro convierte los colores para hacerlos más parecidos a la primera imágen, pero en esta ocasión es la cámara la que está ‘pintando’ la verdadera imágen.

Una forma muy fácil de confirmar este hecho es mirar a una ventana desde el exterior: La próxima vez eque estés en el exterior durante el anochecer observa los colores que vienen de las viviendas y verás que los interiores son de un naranja brillante. Cuando no estamos directamente bajo al fuente de luz, somos capaces de ver su verdader color.

Ver el tungsteno desde el exterior ayuda a revelar su verdadero color; desde aquí se ve naranja brillante

Algo muy similar ocurre cuando permanecemos en la sombra, donde la luz es muy azul. Percibimos la luz como si fuera neutral, pero si salimos a donde nos da el sol y miramos a la sombra la proyección azul es mucho más fácil de ver. Hay otro montón de situaciones donde la luz sufre una fuerte proyección de color: La luz del fluorescente es a menudo verde, la luz de la calle, un naranja muy profundo; la luz del sol en el atardecer pasa del amarillo a un rojo fuerte, etc.

Cuando permanecemos dentro de la sombra, percibimos la luz como si fuera neutral, pero saliendo al sol revela ser una profunda sombra azulada.

Ilumación de 3 puntos y porqué apesta

Los libros de texto de 3d a menudo describe la clásica iluminación del set de tres luces y a menudo animan a los principiantes a usarla como un modo efectivo de iluminar sus escenas. Fué originalmente diseñada como un modo de iluminar fotografía y su único benefício radica en que es fácil de aprender y de comprender. Se comprende de una luz principal brillante proviente del lateral, otra menor en el lado opuesto a la principal y una desde atrás del sujeto que se usa para sacar los perfiles y acentuar la forma.

El mayor problema con este set-up es que es artificial y no refleja la realidad. El uso de la luz trasera debería solo ser considerado si se esta buscando una apariencia para un efecto específico porque es muy dramático y reconocible. La luz trasera puede ser muy efectiva pero debería usarse con sentido común en vez de aplicarla ciégamente a cada situación. El tipo de iluminación que el set de 3 puntos crea simplemente no existe en la naturaleza y por eso resulta falsa. El hecho de que se enseñe en tantos libros de texto le da un aire de cliché y por esto se ha convertido en algo cansado y aburrido.

Hace tiempo que carece del favor de fotógrafos y cineastas, de todos modos, así que rara vez la verás en fotos de productos o películas. Si estás buscando iluminar un entorno o un objeto es mucho mejor intentar poner algo de tu creatividad en tu iluminación y estudiar qué ocurre en la naturaleza para deducir tu propia solución

Todo el mundo ha visto esos cutres retratos fotográficos de estudio que recaen en la iluminación de formula: Todas parecen iguales porque el fotógrafo siempre usa la misma luz todo el tiempo. El resultado es una fotografía aburrida y sin vida. Si quieres crear tu propio arte, evitar caer en el cliché y no ser un cutre, entonces evita las formulas de los libros de texto y empieza a pensar por tí mismo.

Continuará…

Nota: Este artículo es una traducción del tutorial originalmente escrito por Richard Harris. Todas las imágenes y el texto mismo tienen copyright. El original en inglés puede encontrarse en www.itchy-animation.co.uk